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El siglo XXI. Gabriel Erkoreka

Submitted by on 19 mayo, 2012 – 21:16No Comment

El siglo XXI. Comentario analítico realizado por los alumnos de Análisis y Fundamentos de composición, del Conservatorio Profesional de Música de León “José Castro Ovejero” (Mayo de 2012)

El nivel técnico e interpretativo del alumno en 5º y 6º de E.P., le permite trabajar un repertorio de obras, cuyas dimensiones formales, complejidad armónica, polifónica y de elaboración temática, y variedad estilística y estética, hacen necesario profundizar en el conocimiento de los principales elementos y procedimientos del lenguaje musical, y su relación con las distintas técnicas compositivas, con el fin de avanzar cada vez más en una comprensión de dichas obras que posibilite su interpretación adecuada.

Con este propósito, se ha pretendido dar un paso más allá, intentado enriquecer a los alumnos a través del análisis musical de obras “vivas”, obras de compositores españoles e hispanoamericanos del siglo XXI. Todo ello a través de una estrategia de indagación, motivadora para que el alumno realice él mismo su propia aproximación a la comprensión musical, siendo protagonistas de su aprendizaje por descubrimiento.

Mediante sistemas de análisis, se reseña como pautas de actuación, reconstruir el mundo sonoro imaginado por el compositor, desarrollar un sentido crítico en cuanto a la estética sonora y, valorar la riqueza expresiva de las distintas formas de expresión musical.

Es el desarrollo de la personalidad y la sensibilidad propias del alumno el fin último que se persigue, de manera tanto más acusada cuanto que la música es, ante todo, vehículo de expresión de emociones.

Asimismo se intenta fomentar la curiosidad por conocer las creencias, actitudes y valores básicos de la música actual; el gusto por el trabajo bien hecho, y una actitud de superación y mejora.

El análisis se ha centrado en el estudio de un reducido número de obras de diferentes compositores:

- “Ertzak”. Gabriel Erkoreka

- “Maternitat”. Alberto García Demestres

- “Ludendo in Rythmis Modulatis”. Miguel Manzano

- “Tet- Vav”. Jacobo Durán Lóriga

- “Kaleena”. Eneko Vadillo

- “Nadir”. Consuelo Díez

- “Concierto para trompeta”. Fabián Panisello

- “El sueño de la razón produce monstruos”. Ricardo de Armas

- “El esfuerzo”. María de Alvear

- “Karak dels Cavallers”. José Rafael Pascual- Vilaplana

- “Tres imágenes de Francesca”. Alfredo Aracil

- “La memoria del tiempo”. Raúl Minsburg

Se expone las concusiones de los alumnos que han participado en cada uno de los comentarios analíticos propuestos.

En nombre de todos ellos y, como profesora de las asignaturas de Armonía, Análisis y Fundamentos de Composición, deseo mostrar mi agradecimiento a cada uno de los compositores, que amablemente han regalado su tiempo al alumnado con una ayuda directa y, aportaciones muy valiosas. Desde el conservatorio de León “José Castro Ovejero”,

GRACIAS!

(n. 1969. Bilbao. España)
Estudia con Carmelo Bernaola (1929- 2002), en el Conservatorio Superior “Juan Crisóstomo de Arriaga” y en la Escuela Superior de Música “Jesús Guridi”, con quien se gradua, obteniendo premios de honor en Composición, Piano y Música de Cámara.

En 1995 ingresa en la Royal Academy of Music de Londres donde realiza estudios de postgrado en composición, con Michael Finnissy (n. 1946. Londres), donde obtuvo el Diploma de excelencia RAM (PGDip), y un Máster con distinción por la Universidad de Londres King’s College.

En 1998- 1999 es nombrado miembro del cuerpo docente y de la junta rectora de composición, ”Mosco Carner Fellow of Composition”, y en el año 2001, miembro asociado honorífico de la Royal Academy of Music (ARAM), donde imparte clases de orquestación.

Ha realizado conciertos como pianista solista e intérprete de música de cámara en la Sociedad Filarmónica de Bilbao, en el Centro de Arte Reina Sofía de Madrid, en el Teatro Guridi de Vitoria, en el Duke’s Hall y el Instituto Cervantes de Londres.

En abril de 1998 realiza su debut con orquesta, interpretando el Concierto en Sol de Ravel con la Orquesta Sinfónica de Bilbao. Es miembro fundador del Trío Bernaola y compositor asociado del grupo KANTAK.

Ha ofrecido conferencias en el “Festival de Música del Siglo XX” de Bilbao y en los “Encuentros con los Jóvenes Compositores” organizados por el CDMC en Madrid, en los Institutos Cervantes de Londres, Chicago y Manchester, y en “Festival de Estoril” en Portugal. También ha participado en varias masterclasses ofrecidas por Franco DonatoniBrian FerneyhoughHarrison Birtwistle y Luís de Pablo.

El trabajo de Gabriel Erkoreka ha sido representado en la Biennale de Venecia de 2004; el Musikverein de Viena, el South Bank Centre, Spitalfields Festival, el ICA y el Wigmore Hall de Londres; las Jornadas Mundiales de Música de la ISCM en Manchester; el Muziekgebouw de Amsterdam; el Festival de música Nuevos Rumbos con la Orquesta Sinfónica de Nueva York; el Crown Hall de Chicago; el Festival Toru Takemitsu de 1999 en Tokio; el Festival Aujourd’hui Musiques en Perpiñán; el Festival Internacional de Alicante; el Auditorio Nacional y el ‘Reina Sofía’ Centro de Arte en Madrid; y en otras ciudades como París, Berlín y Sydney.

Entre los distintos premios de composición para las diferentes obras de Erkoreka, se incluyen el Premio de Roma, otorgado por la Academia Española en Roma en 2001; el Premio INAEMColegio de España en París; Primer Premio de la SGAE de Madrid; varios premios en la Royal Academy of Music, como el Parker Josías Premio; y el Premio del Gobierno Vasco  en 1999.

En el año 2007 obtiene el Premio Reina Sofía de Composición con su obra “Fuegos”.

Ha sido seleccionado para participar en los Festivales ISCM en Manchester de 1998 y en Hong Kong de 2007, en la Tribuna Internacional de Compositores de la UNESCO de París, y para la Semana Internacional de Música Gaudeamus.

La música de Erkoreka ha sido grabada y transmitida por la BBC, WDR, RAI, RNE y otras emisoras de radio de diversos países como Australia, Argentina y Holanda. Muchas de sus obras están disponibles en CD, editadas por Stradivarius, Verso, FNAC y registros LIM.

Ha recibido encargos de diversas instituciones como el Nieuw Ensemble, la Biennale für Neue Musik-Hannover, el INAEM, el Ministerio de Cultura de España, la Fundación Autor, el Museo Guggenheim, la Orquesta de la Comunidad de Madrid, la Orquesta Sinfónica de Euskadi, la Orquesta Sinfónica de Bilbao, el Festival ENSEMS de Valencia, y la Quincena Musical.

Nombrado compositor en residencia de la JONDE  (Joven Orquesta Nacional de España) entre 2001 y 2002.

Entre los intérpretes de sus obras destacan: el Nieuw Ensemble de Ámsterdam, Ensemble Nomad de Tokio, Birmingham Contemporary Music Group, Perspectives Ensemble NYC; Das Neue Ensemble-HannoverEnsemble Alternance; OrchestraUtopica; Grupo LIM, Kantak, RAM Symphony Orchestra, Orquestas Sinfónicas de Bilbao y de Euskadi, la JONDE o la Orquesta Sinfónica de RTVE;

Entre los directores, debemos mencionar a Emilio Pomarico, Jan-Latham Koenig, David Alan Miller, Adrian Leaper, Gilbert Varga, Jurjen Hempel, José Ramón Encinar, Juanjo Mena, Pedro Halffter y André de Ridder; y solistas tales como Jean-François Heisser, Pedro Carneiro, Ananda Sukarlan,  Iñaki Alberdi, Miguel Ituarte o Harrie Starreveld.

Gabriel Erkoreka es un prolífico compositor, algunas de sus creaciones son “Tres sonetos de Michelangelo” (2009), “Fuegos” (2007), “Océano” (2004), ”Ertzak” (2010), “Rondó” (2006) o “Afrika”  (2002), entre otras.

Actualmente, desarrolla su actividad como profesor en la Cátedra de Composición en MUSIKENE- Conservatorio Superior de Música del País Vasco.

CARACTERÍSTICAS COMPOSITIVAS 

El propio compositor, Gabriel Erkoreka, reconoce que no se encuadra dentro de ninguna corriente musical, aunque trata siempre de incluir en sus composiciones distintos folklores. Afirma que, “hay que considerar la libertad del creador y no permanecer quieto”.

Entre los compositores que más influencia han ejercido sobre él, cabe destacar:

  • Franz Peter Schubert (1797 – 1828), por  su tratamiento del tiempo y su capacidad de flexibilizar la música por medio de la percepción temporal.
  • Joseph Maurice Ravel (1875- 1937), por su capacidad de ajustar los medios de expresión a cada obra y la precisión con la que es capaz de transmitir sus ideas al papel.
  • Edgar Varèse (1883- 1965), por considerar la música como un sonido organizado y por abrir nuevas perspectivas respecto a la utilización del sonido y del tiempo.

Es importante mencionar que los títulos de sus obras son siempre muy descriptivos, aunque el compositor no considera que su música sea programática ya que opina que “no sólo existe una única interpretación de la música”.

En el título de sus obras ofrece un punto de conexión, una guía para la escucha de sus composiciones, que realmente constan de varios planteamientos desde diferentes puntos de vista.

En cuanto a la instrumentación que utiliza, es particular de cada obra. Tiene en cuenta que te condiciona enormemente el hecho de elegir unos instrumentos y no otros, es como esculpir una obra en un material determinado.

A la hora de elegir la instrumentación, primero imagina una sonoridad de referencia. Esto le ayuda porque durante un tiempo está experimentando con determinados folklores, lo que le proporciona ciertos indicios de la instrumentación que va a necesitar para la obra en concreto.

ERTZAK, para conjunto de camara

Instrumentación: Flauta, Clarinete, Percusión, Violín, Viola y Violonchelo

Duración: 10 minutos

Encargo: Grupo Enigma

Estreno: 20 de abril de 2010, dentro de la temporada de conciertos de la Orquesta de Cámara del Auditorio de Zaragoza “Grupo Enigma”,

Director: Juan José Olives

El propio compositor nos comenta su obra en  ”Notas al programa” del concierto

ERTZAK (“Aristas” en Euskera) toma como punto de partida materiales e inquietudes presentes en mi última obra Tres Sonetos de Michelangelo, y en concreto de dos interludios orquestales que sirven de enlace entre los tres sonetos. 

El título no es tanto una referencia a líneas unidimensionales, sino más bien a lo que éstas simbolizan: Aristas que sirven de unión o de separación. Por ello, en ERTZAK se ofrecen dos planteamientos contrastantes: el primero se refiere a la unión (amor) y consiste en un solo trazo, que nace y muere en un mismo vértice, y que explora la tímbrica en el registro medio de los instrumentos.

Más tarde, el espacio se abre mediante una marcada separación de los registros, introduciéndose así el segundo planteamiento. Éste representa la separación (muerte), y en él, todos los elementos puestos en juego: registros, dinámicas y velocidades son llevados a un extremo, lleno de violentas aristas acrecentadas por la percusión, que sirven de filtro para crear una serie de planos sonoros contrastados. Sirva como aclaración que los dos interludios antes mencionados se basaban a su vez en reflexiones en torno al Amor y la Muerte, plasmadas en los Sonetos y Epitafios de Miguel Ángel Buonarroti.

Finalmente, las líneas melódicas de los instrumentos de viento se vuelven más abruptas, pero enseguida son neutralizadas por pivotes sonoros provenientes del trío de cuerdas. Con ello, la obra plantea también una bifurcación de la perspectiva temporal, que en ocasiones se hace explícita mediante materiales más o menos reconocibles, propiciando la convivencia de dos contextos temporales distintos y alejados. [G. Erkoreka]

En la partitura Ertzak de Gabriel Erkoreka, podemos observar que el compositor hace uso de distintos elementos de escritura, tales como el bemol de cuarto de tono (semibemol); el de tres cuartos de tono (bemol y medio); el sostenido de un cuarto de tono (semisostenido) y el de tres cuartos de tono (sostenido y medio).
Ejemplo de bemol de cuarto de tono, (semibemol): compás 8; viola.

Ejemplo de bemol de tres cuartos de tono, (bemol y medio): compás 132; chelo.
Ejemplo de sostenido de cuarto de tono, (semisostenido): compás 46; violín.

Ejemplo de sostenido de tres cuartos de tono, (sostenido y medio): compás 101; piccolo.

 

Podemos escuchar muchos efectos estéticos, que se corresponden con los diferentes instrumentos. Destaca la utilización constante de una amplia gama de recursos propios de cada instrumento: armónicos, trinos, glissandos, pizzicatos…

El compositor trata de producir el mayor número de registros posibles. Prácticamente utiliza todo el registro de los instrumentos. En el segundo planteamiento los registros son llevados al extremos para conseguir ese ambiente de separación (muerte), sin embargo en el primer planteamiento se emplea el registro medio de los instrumentos.

Característico son los diferentes ritmos y sus variados cambios: fusas, trémolos,  y combinaciones de distintos tipos de formulaciones rítmicas, llegando a producir incluso sensaciones de desconcierto al oyente. Los ritmos utilizados son 4/4, 3/4, 2/4, 5/4.

Encontramos células rítmicas que se repiten de forma variada. Hay que destacar las células rítmicas que nos marcan el inicio de la segunda sección (separación y muerte) en el compas 39,  y que van a ser una parte muy importante de esta segunda sección.

El ritmo es muy importante en esta obra porque junto con el timbre, la sonoridad, es lo que más caracteriza a los planteamientos que el compositor quiere conseguir.

En el caso del primer planteamiento la unión (el amor) se trata de un ritmo muy lento, negra=54 , y las figuraciones utilizadas son predominantemente largas: negras o blancas. Sin embargo en el segundo planteamiento, la separación (muerte)la velocidad y las figuraciones rítmicas son muy breves: fusas, semifusas… Finalmente se vuelven a emplear figuraciones largas. Se podría considerar que el ritmo es el que define , el que da título a esta obra, las aristas (Ertzak).

La melodía parace que no es lo más esencial en la composición. Aunque  podemos apreciar la presencia de diseños melódicos, que se repiten de forma variada, como por ejemplo en el compás 8 o en el compás 17,  predomina más el empleo de sonidos sin ninguna intención melódica, cromatismos y notas muy disonantes entre sí, esto crea ese ambiente de caos, desorden, confusión…

Debemos resaltar la cantidad de indicaciones que el compositor escribe en los sucesivos pentagramas pertenecientes a todos los instrumentos. Indicaciones que afectan tanto al tempo de la obra como a la dinámica.  Esto es una gran diferencia respecto a períodos anteriores, pero un elemento clave en la música contemporánea.

Los matices son muy contrastantes entre las dos secciones que son llevados al extremo. En la primera sección, la unión (amor) se utiliza sobre todo dinámicas de  pianísimo y mezzoforte; sin embargo, en el segundo plano, el de la desunión (muerte) se recurre a matices totalmente opuestos, sforzando o fortísimo. A partir del compás 75, se vuelven a utilizar las mismas dinámicas que las de la primera sección.

Gabriel Erkoreka indica a todos los instrumentos lo que quiere que suene de cada uno de ellos. Escribe todos los matices de una manera muy clara y precisa. A excepción de las líneas aleatorias de matices, que aparecen a veces situadas por encima del pentagrama del instrumento, no deja  mucha libertad al intérprete, puesto que la obra indica en todo momento que matiz hay  que ejecutar. En el tempo, también deja escritos todos los cambios para que la obra se comprenda mejor y para expresar todas las sensaciones que el compositor quiere transmitir.

En cuanto a la agrupación de música de cámara elegida para la interpretación de esta obra, es bastante innovadora respecto a períodos anteriores porque la mayoría de las combinaciones para la viola o el violonchelo eran fundamentalmente cuartetos de cuerda; la flauta y el clarinete los encontrábamos en agrupaciones de viento, y la percusión no era tan utilizada en la música de cámara sino que se reservaba para la música orquestal.

Por otra parte, el compositor hace numerosos cambios de instrumento, tanto en el clarinete como en la percusión. El clarinete en si♭ lo intercambia por el clarinete barítono. También en la percusión hay numerosos cambios entre maracas, cascabeles, bombo, pandereta, tam-tam, carrillón, platillos y címbalos, así como distintas disposiciones entre los instrumentos de la percusión.

CONCLUSIONES Y OPINIÓN PERSONAL DE LOS ALUMNOS

“Esta es una de esas obras que te va gustando cada vez más a medida que la vas escuchando. En un principio era difícil de comprender, pero una vez que comienzas a entender su sentido y te vas acercando más ella, puedes llegar a disfrutar de su escucha.  Poco a poco te vas dando cuenta de todos los elementos que conforman la obra, la unión de esas “aristas” que el propio compositor pone de título a esta obra”. 

“En mi opinión, es una obra expresiva en la que tienes que buscar y darle la interpretación adecuada. Aunque en un principio a uno le parezca que está todo inconexo, para eso estás tú, y debes buscar las distintas sonoridades y el sentido interno que lleva la obra en sus dos planteamientos. El primer planteamiento que se refiere a la unión (amor) explora la tímbrica en el registro medio de los instrumentos, en torno a la nota Re. El segundo plantemaiento representa la separacion (muerte), en donde existe una marcada separación de los registros, dinámicas y velocidades (fusas repetidas). 

“La situación de los compositores actuales en España no es fácil. No hay suficiente demanda y muchos de ellos no pueden vivir únicamente de sus composiciones. La razón puede ser que el público no está acostumbrado a este tipo de música y con esto me refiero a que para que nos guste una obra de este tipo hay que entenderla antes ¿Qué es lo que quiere expresar el compositor a través de ella?.  A mí esto me pasó con esta obra.  Al principio la escuchaba y no terminaba de gustarme, pero cuando comienzas a “bucear” en la obra. ¿Qué busca el compositor? ¿Cómo está hecha?… Realmente conectas con la obra y es una experiencia que te ayuda a comprender mejor el arte actual”.

AGRADECIMIENTOS al compositor Gabriel Erkoreka, por la orientación que nos ha proporcionado para realizar el análisis de la obra. Decir que Gabriel Erkoreka ha sido muy amable con las preguntas que le hemos formulado  y,  nos ha parecido un artista humilde y agradecido”.

Más información sobre el compositor

Gabriel Erkoreka: “Mi música se interpreta bastante en España, aunque no tanto como fuera”.  El Cultural.es  Publicado el 07/06/2010.

Gabriel Erkoreka: “Últimamente me interesa que la música no sea demasiado abstracta”. Bilbao. 2006ko. maiatza.

Gabriel Erkoreka nos ofrece su música y sus reflexiones sobre el arte y la vida: “Lo fundamental es que la obra sea innovadora y sobre todo personal”.  Al margen- Inventario de inventores. 15/06/2010.

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