Armonía 3º

Armonía 4º

Análisis 5º

Análisis 6º

Fundamentos de Composición

Home » Análisis 6º, Compositores siglo XX y siglo XXI, Fundamentos de Composición

El siglo XXI. Alejandro Yagüe

Submitted by on 25 agosto, 2013 – 13:06No Comment

El siglo XXI. Comentario analítico realizado por los alumnos de Análisis y Fundamentos de composición, del Conservatorio Profesional de Música de León “José Castro Ovejero” (Mayo de 2013)

El nivel técnico e interpretativo del alumno en 5º y 6º de E.P., le permite trabajar un repertorio de obras, cuyas dimensiones formales, complejidad armónica, polifónica y de elaboración temática, y variedad estilística y estética, hacen necesario profundizar en el conocimiento de los principales elementos y procedimientos del lenguaje musical, y su relación con las distintas técnicas compositivas, con el fin de avanzar cada vez más en una comprensión de dichas obras que posibilite su interpretación adecuada.

Con este propósito, se ha pretendido dar un paso más allá, intentado enriquecer a los alumnos a través del análisis musical de obras “vivas”, obras de compositores españoles e hispanoamericanos del siglo XXI. Todo ello a través de una estrategia de indagación, motivadora para que el alumno realice él mismo su propia aproximación a la comprensión musical, siendo protagonistas de su aprendizaje por descubrimiento.

Mediante sistemas de análisis, se reseña como pautas de actuación, reconstruir el mundo sonoro imaginado por el compositor, desarrollar un sentido crítico en cuanto a la estética sonora y, valorar la riqueza expresiva de las distintas formas de expresión musical.

Es el desarrollo de la personalidad y la sensibilidad propias del alumno el fin último que se persigue, de manera tanto más acusada cuanto que la música es, ante todo, vehículo de expresión de emociones.

Asimismo se intenta fomentar la curiosidad por conocer las creencias, actitudes y valores básicos de la música actual; el gusto por el trabajo bien hecho, y una actitud de superación y mejora.

El análisis se ha centrado en el estudio de un reducido número de obras de diferentes compositores:

- “Grazyna”. Jordi Cervelló

- “Sonatina” para violín. Jordi Cervelló

- “Nuances para saxo”. Agapito Galán

- “Entre la realidad y el deseo”. Alberto Carretero

- ”Fortspinnung für Streichtrio”. Alberto Carretero

- “Apparuit”. Alejandro Yagüe

- “Santísimo Cristo de la Salud”. Antonio Moreno

- “Angustiarum Plena”. Antonio Moreno

- “Poética”. Jesús Torres

- “Noche Oscura”. Jesús Torres

- “Evanescencia”. Fernando Lópéz Blanco

- “Visiones·. Joan Magrané

- “Fósiles”. José Minguillón

- “Cococha nº 2″ para piano. José MInguillón

- ”En tu cara dormida”. Manuel Comesaña

- “Dúo para piano- violín”. Manuel Comesaña

- “Haiku del aire”. Mario Carro

- “Alcazar de Elda”. Rafael Mullor

- “… Es particular”. Sonia Megías

- ”Triangle”. Sonia Megías

- “Ritmos de vidrios rotos”. Eduardo Polonio

Se expone las concusiones de los alumnos que han participado en cada uno de los comentarios analíticos propuestos.

En nombre de todos ellos y, como profesora de las asignaturas de Armonía, Análisis y Fundamentos de Composición, deseo mostrar mi agradecimiento a cada uno de los compositores, que amablemente han regalado su tiempo al alumnado con una ayuda directa y, aportaciones muy valiosas. Desde el conservatorio de León “José Castro Ovejero”,

GRACIAS!

 

Alejandro Yagüe Llorente  (1947. Palacios de la Sierra, Burgos), compositor español.

E-mail: alejandroyaguellorente@hotmail.com

facebook 

Más Información:

wikipedia

Mundoclasico.com

El Blog de Alejandro Yagüe, por Alejandro Yagüe

—————————————

INTRODUCCIÓN

Dentro de la música del siglo XXI, con sus numerosas aportaciones, nuevas formas musicales, nuevos aspectos rítmicos y melódicos y un largo etc. de incorporaciones, no hay que pasar por alto el panorama nacional, que si tal vez en otras épocas pasó desapercibido, es ahora cuando más necesitan de un estudio y comprensión detallada las grandes obras y aportaciones de los músicos españoles a la música contemporánea.

En este trabajo, gracias a la colaboración del propio compositor, pretendemos acercarnos a estas nuevas formas de composición , así como explicar, aunque de manera muy resumida una obra concreta de Alejandro Yagüe: APPARUIT para triple coro, además de incluir una pequeña biografía y datos personales del mismo.

ALEJANDRO YAGÜE

Músico titulado en las especialidades de Composición, Dirección de orquesta y Piano.

En Burgos, recibió clases de Ángel Juan Quesada. Su formación musical se fue completando en el Conservatorio Superior de Madrid (1972 – 1976) y, fuera de España, en la Accademia Santa Cecilia de Roma (1976 – 1978) siendo alumno de Goffredo Petrassi, así como en la Musikhochschule de Colonia, en Alemania (1978-1982)

Residió dos años en Italia y cuatro en Alemania para perfeccionar estudios, al haber conseguido el Premio Roma, de la Academia de Bellas Artes de Roma, y al haber sido además becario de la Fundación alemana Alexander von Humboldt.

Ha sido galardonado en diversos concursos de composición, entre otros Premio Manuel de Falla (Cádiz 1974), Premio de Roma (1976), Diploma di Merito de la Accademia Chigiana, de Siena, con Franco Donatoni (1978), Premio Nacional Fin de carrera, Premio Arte (Córdoba, 1978), Primer Premio de Composición para Orquesta de Laudes Españoles (Ministerio de Cultura, 1980) además de otros concursos celebrados en Cuenca (1981), Barcelona (1983), Zamora (1984), etc.

Ha recibido encargos del Ministerio de Cultura, Orquesta Nacional, Radio Nacional, Coro y Orquesta de la Comunidad de Madrid, Orfeó Català, Concurso internacional de Tolosa (Guipúzcoa) Fundación Juan de Borbón, Caja de Burgos, Festivales Internacionales de Santander y Alicante, y otras entidades culturales.

Sus obras se han ido publicando, a partir de 1985, en las editoriales EMEC de Madrid, CLIVIS de Barcelona, OPERA TRES de Madrid y CM Ediciones Musicales de Bilbao.

Durante los cursos 1990 – 1992, fue Profesor Asociado de la Universidad de Salamanca.

Desde 1988 es Catedrático Numerario de Composición del Conservatorio Superior de Salamanca donde ha ido formando a nuevas generaciones de compositores.

Alejandro Yagüe ha realizado numerosos conciertos, tanto como director de coro como en estrenos de obras suyas propias pero de casi todos ellos hemos podido recopilar críticas favorables de radio, televisión así como de críticos experimentados de música. Todo esto puede verificar el éxito de su obra:

“En cuanto al burgalés Alejandro Yagüe (1947), se trata de un fuerte talento musical que se expresa desde un consumado oficio. Yagüe debería figurar con mayor frecuencia en los programas de nuestras orquestas. Si en la Tercera sinfonía, escuchada en el último festival de Alicante, Yagüe carga la mano en la perfección estructural, en la Segunda, subtitulada Gadea y escrita con ocasión del 1. 100 aniversario de la capital burgalesa, todo parece obedecer a un largo y sintético repertorio de vivencias vibradas por el voltear de las campanas.” 

“Alcanzó también extraordinaria acogida la nueva obra de Alejandro Yagüe (Palacios de la Sierra, Burgos, 1947), escrita expresamente para el primer Estío Burgalés. Tempus fugit es  una partitura sinfónica de extraordinaria calidad, intensa sustancia y tan exacta en su realización como en su ideación. Representa muy bien la personalidad creadora de Yagüe esta  música en su fugitivo suceder, como el del tiempo en que habita, que se apoya en ocultos símbolos y referencias bíblicas expresadas en diversas alusiones de canto gregoriano. Todo  ello adquiere perfiles culturales y jubilares de gran fuerza gracias a un cierto sentimiento jacobeo. Todos los oyentes sentíamos deseos de animar al músico andariego con nuestro más entrañable “¡feliz camino, peregrino!”. Frühbeck de Burgos y los Clásicos en Madrid han montado la obra con primor y el maestro burgalés la llevará pronto por el mundo, con lo que el Estío Musical adquirirá pronto una proyección internacional.” 

“Puer Natus Est”, de Alejandro Yagüe, un original medley de villancicos en distintas lenguas, es la cima sentimental de la noche, con dulcísimos melismas de la cuerda sobre un cantus  firmus de “Adeste Fideles”, y una posmoderna mezcla de armonías románticas y “We wish you a merry Christmas” transformado en coral medieval”. 

MÚSICA CORAL

Alejandro Yagüe comenzó siendo un compositor de música sinfónica pero actualmente el tipo de música que más cultiva es el género coral porque como él mismo dice tiene una emoción especial en el texto y los sonidos de las voces.

Sabe que no es habitual el uso del coro para la música contemporánea, pero él lo plantea como una especie de reto porque en teoría esta música contemporánea que propone ni se canta ni se baila, lo que lo hace más complejo, pero este esfuerzo merece la pena por la emoción que puede llegar a transmitir el coro, aunque la música abstracta se suela relacionar más bien con lo cuadrado, lo perfecto, las matemáticas.

La música orquestal en cambio, es mucho más extensa y da más facilidades para transmitir sentimientos o ideas concretas al contrario que en la obra coral que la principal dificultad, afirma Alejandro, es la síntesis que es necesaria hacer, el reducir las ideas que tiene al mínimo.

La contemporaneidad de Alejandro Yagüe se basa en parte en el folklore, un tema que trata como mezcla de canciones simultáneas. Este enfoque hace que los coros generalmente reciban las obras del compositor con gran expectación.

Respecto a los coros, actualmente en España, el compositor opina que debería mejorarse las técnicas, la emisión de la voz, la memoria… para llegar a lo que le gustaría que fuese, falta mucho avance el cual debería comenzar en la educación musical infantil.

Yagüe comenzó en el terreno de la música coral tarde, y fue cuando de verdad pasó a ser conocido en España ya que el venía de Alemania, así poco a poco los coros comenzaron a pedirle obras.

Con el coro de la universidad de Burgos, se vio obligado a realizar obras policorales debido a su extensión.

Además de dirigir ha ido a muchos concursos de composición. De esta forma se desarrolló en este campo ya que el venía de mundo sinfónico, y así es como ha llegado a ser el compositor que más ha desarrollado el triple coro, el cual plantea la gran dificultad del texto (asignar el texto idóneo a 12 voces tiene mucha dificultad).

Para sus textos ha usado poesías de destacados autores como San Juan de la Cruz o García Lorca, del que dice maravillas por la fascinación que siente por sus textos, ya que considera además que se le nota mucho que también era músico por esa musicalidad precisamente que poseen sus letras: “Espolietas del viento”, “Seis canciones de anochecer”, son obras con textos de Lorca a las que dice tener especial cariño.

Señala como rasgo importante que hoy en día los coros suelen ser más pequeños, aunque con más conocimientos musicales, y entonces en la modalidad que él practica de policoralidad, es necesario juntar a diferentes coros, lo que crea gran expectación y bajo su punto de vista suele gustar mucho al público.

ENTREVISTA

Cuestiones abiertas a Alejandro Yagüe. Qué piensa el creador, el músico, el compositor.

1. ¿Qué te mueve en el origen de tus composiciones? ¿Cuáles son los detonantes que te sugieren las primeras ideas para moverte en los insondables abismos de la música.?

2. ¿Cómo trabaja sobre la obra, un compositor como tú? ¿Utilizas la escritura informática, compones sobre el piano…?

3 . A la hora de componer, ¿ Partes de una estructura formal inicial en el discurso de la obra o vas dándole la forma a medida que la desarrollas?.

4. ¿Qué música te conmueve hoy?, ¿Qué música escuchas? ¿Qué músicas o músicos te han marcado?.

5. ¿La creación musical es infinita?

6. ¿Recuerdas cuáles fueron tus primeras o más importantes influencias para entrar en la música? ¿Qué les dirías a los que empiezan, a los estudiantes de música, a los niños?

7. ¿Qué parte de la música es “humana” y cuál “divina”?

8. ¿ Qué aspectos de la música son más importantes para tí, quiero decir su poder mágico, su transcendencia,  capacidad sanadora, evocadora, lúdica. evocadora, liberadora, su capacidad de emocionar, etc.?

Son muchas las curiosidades que tiene la gente acerca de los compositores: la posibilidad de saber los trucos que se emplean a la hora de componer música, y el grado de inspiración que se ha de conseguir, suelen ser algunas de ellas.

De ningún otro oficio artístico se habla tanto de las inspiración como del musical. Pocas veces se dice que un escultor está inspirado si le vemos trabajando con el hierro, con la madera o con el mármol, porque nos parece algo muy material. Lo mismo pasa con los pintores si les vemos manejando pinceles, óleos y acuarelas.

No decimos nada de los arquitectos porque casi nadie habla de la inspiración en la arquitectura ya que es un arte muy dependiente del dinero. En los campos de las matemáticas o de la filosofía damos por sentado que la inspiración no existe, y sin embargo,”haberla, hayla”.

En todos los órdenes de la vida existe la inspiración, además de encontrarla y verla exclusivamente en el musical. Si investigamos las características de la inspiración nos encontramos con una que es muy evidente: ningún vago está inspirado.

La inspiración se aparece únicamente a quien trabaja porque la inspiración es una relación y conexión de ideas. El alumno vago carece de ideas y por lo tanto no está inspirado. Para estar inspirado hay que trabajar mucho y hay que ser muy constante en la búsqueda de algo nuevo. Al músico siempre le ha interesado crearse un mundo aparte, aparecer como un “iluminado “o un “extraterrestre”, porque lo “secreto”, lo oculto, lo “divino”, se valora más de cara a la gente.

Muy pocos saben la cantidad de años que tiene la carrera musical y en concreto la carrera de compositor. En la actualidad son catorce años de carrera (4+6+4), como mínimo, para tener una mínima idea de los contenidos de la creación musical desde un punto de vista académico.

El compositor es un experto en sonidos, es un experto en sonoridades. Si al pintor le vemos con sus pinceles y al escultor con sus piedras y hierros. al compositor le tenemos que ver con sus sonidos. El problema es que los sonidos no se ven, se oyen.

El sonido es material abstracto. Es difícil meter en la cabeza a la gente que se pueden controlar los sonidos igual que se pueden arreglar los zapatos. Los primero que debe estudiar un compositor es una ciencia que tenga como contenido fundamental los sonidos. Esa ciencia se llama Armonía.

Son muchos los tratados de armonía que se han escrito a los largo de siglos donde aparecen esquemas para controlar la sonoridad. El compositor debe ser un experto en armonía y de esa forma poder controlar el sonido individualmente y en grupo con otros sonidos. Es una ciencia apasionante porque la cantidad y la cualidad de sonidos que percibimos actualmente es muy diferente de la que se podía percibir en otras épocas.

En un cine, el público recibe infinidad de información y percibe los sonidos en el espacio, oye distintos tipos de música, en muchos casos se trata de sonidos electrónicos. Incluso el compositor debe conocer el ruido y sus cualidades. Aunque parezca extraño para el profano, hay ruidos “blanco”, ruido “rosa” ruido filtrado, etc. Para conocer bien los sonidos hay que conocer los ruidos. Es decir, el compositor debe conocer bien y estudiar una parte de la Física que se llama Acústica.

Además de tener estos conocimientos sobre el sonido hay que tener buenos conocimientos de aquellas melodías que suenan simultáneamente. El compositor tiene que conocer el Contrapunto y la Fuga. También sobre estas materias existen desde hace siglos infinidad de tratados. De esa manera puede analizar de obras que se han compuesto.

Por si fuera poco, como el resto de las artes, el compositor debe analizar y conocer muchas obras y de diferentes estilos y épocas. La visión personal de todos estos contenidos técnicos es lo que mueve poco a poco a la creación de un estilo propio. Eso requiere mucho trabajo porque además de conocer mucha música hay que saber “digerirla” y saber “alimentarse” con ella para poder tener una proia personalidad creativa. El compositor que se queda mirando a la luna para ver si le viene la inspiración lo único que puede conseguir es un dolor en el cuello.

En el terreno de la canción moderna (de lo que llamo yo “los cojunteros”) hay mucha influencia entre la poesía y conocimientos mínimos musicales. Es decir, hay “músicos” que con textos simples que les gusta a la gente, con un conocimiento mínimo de tres acordes en una guitarra, y con un ritmo y una forma musical ya establecida como puede ser una rumba, un bolero, un pasodoble, o una copla-estribillo, son capaces de aparecer como buenos creadores musicales en este mundillo.

El compositor debe crearse sus propios esquemas originales (de la misma forma que lo hace el poeta o el novelista) y debe tener su propio mundo sonoro lo mismo que el pintor tiene su propio mundo de colores.

Una obra musical no es una obra aislada: es una obra dentro de un contexto creativo y personal. En el compositor que conoce bien el mundo de los sonidos, ha influido e influye su infancia, su entorno familiar, el paisaje, la sociedad en que vive o ha vivido y sobre todo influye la cultura que tenga. La técnica musical es un peldaño para ser compositor pero después hay muchos más factores que influyen en la creación.

En la creación musical no sucede ni más ni menos de lo que les ocurre a los investigadores, médicos, pintores, escultores, arquitectos y aquellos que quieren inventar o crear algo nuevo: darle trabajo al cerebro constantemente.

Tras haber escuchado ciertas entrevistas en la radio que le han sido realizadas, junto con información aportada por el mismo compositor, adjuntamos ciertos fragmentos que hemos creído conveniente destacar:

Nace en Palacios de la Sierra un pueblo de la sierra de Burgos –Mi padre era guarda forestal de esa zona.- A los cuatro años se cambian de pueblo y se van a vivir a  Santa Cruz de Juarros. Estudió hasta los diez años en una escuela unitaria, hasta que lo llevaron a unos frailes de Valladolid. Este dato de nacer en un pueblo es importante porque la mayoría de los músicos han nacido en grandes ciudades y no han tenido los inconvenientes de nacer un pueblo pequeño, sin coros, sin bandas de música sin orquesta, sin música y sin ayuda de una familia que le ayude.

Bien pudiera ser un talento que la música le arrebató a la pintura. Dibujar era lo que más le gustaba de niño, y lo hacía tan bien que pudo llamar la atención de aquel maestro que tenía que arreglárselas para sacar adelante la educación de aquel grupo de niños que iban desde los 6 años hasta los 14 años y que recomendó a la familia que lo llevarán a la academia de dibujo que había en Burgos.

De hecho cuando, los Marionistas de Valladolid probaron su voz para la escolanía del centro nuestro compositor confiesa que no sabía lo que era música y lo que era un coro, así que fueron aquellos educadores los que despertaron su vocación. Aún con todo un centro de aquellas características no  tenía nada que ver evidentemente con un conservatorio, con lo que la formación musical que proporcionaban era bastante básica, pero el estímulo caló hondo en Yagüe, que a los veinte años comenzó a examinarse de música en el conservatorio de Burgos.

Los resultados no tardaron en llegar, a los veinticinco años ya había terminado la carrera de magisterio, con premio nacional fin de carrera y número uno en las oposiciones, a la vez que cursaba la carrera profesional de piano en Valladolid, con magnificas calificaciones.

“La composición me ha enseñado a ser más ordenado, a soñar más, me ha enseñado a ser consecuente con unos principios, me ha enseñado a ser más sincero, y es digamos una meta a la que hay que aspirar constantemente”.

 Adicción y virtud, la incesante actividad de Alejandro Yagüe se nos aparece como algo que no puede evitar y a la vez le parece positivo promover el mundo de la música. –“Supone constante competición y selección, hay que trabajar todos los días y a todas horas”-, y claro, cómo él dice,” ningún vago está inspirado”, eso solamente le llega al que lo busca. -“Tal disciplina sólo puede ser comprendida por algunas personas dedicadas a la misma profesión con lo que los fracasos en la convivencia se manifiestan frecuentemente a lo largo de la historia de la música o mejor dicho de los músicos.”-

El camino del magisterio se le hace estrecho. Nuestro inventor solicita una excedencia y se sitúa en Madrid para estudiar composición, piano y dirección de orquesta apostando por la dedicación a la música.

La concreción hacía el campo  creativo se impondrá gracias la concesión del premio Manuel de Falla a su obra “Cuarteto en Negro”, a partir de entonces y tras una primera etapa de influencia impresionista consecuencia del análisis de partituras de Maurice Ravel, Yagüe se centra en crear un estilo absolutamente propio. Al fin y al cabo, declara –“Los compositores españoles hemos tenido que aprender a resolver nuestros propios problemas”- lo cual no impide que declare haber admirado obras de otros autores contemporáneos, como Stravinsky, Bartók, o Bériot 

-“Ser compositor es ser lógico y consecuente con unos principios estéticos que uno se planifica previamente y digamos es ser un experto en la magia de uno sonidos.”-

INFLUENCIAS

Realizó sus estudios de composición en Madrid y por ello tiene mucha influencia de compositores españoles, como puede ser Tomás Luis de Vitoria, pero en Italia fue cuando su visión se abrió al arte más contemporáneo. Allí el mundo coral es impresionante, como él mismo reconoce; nada más llegar a Italia ya quedó impactado por un impresionante coro infantil, cosa que en España apenas hay, y sobretodo pudo “palpar” la influencia que tiene el Bel Canto, las grandes voces que hay en cualquier lugar.

Respecto a Alemania, reconoce que no le marcó especialmente en el tema de composición coral. Lo más importante es que él mismo elabora sus propios recursos y formas de componer, parte del Impresionismo y se deja llevar por la música que emociona.

Alejandro Yagüe parte siempre de un análisis riguroso de los procedimientos a utilizar en una obra, y de qué es lo que se propone a hacer con ellos. El lenguaje concreto que se materialice en la pieza es algo que se va decantando poco a poco a lo largo de los años.

Componer una obra no es tener  un procedimiento aislado de composición, ni tener una máquina mental de generar sonidos. Las obras que un compositor crea son eslabones de ideas estéticas de procesos de creación y de propósitos que se quieren lanzar al oyente. La actividad compositiva se vale de material abstracto característica que exige del compositor una buena condición física pero nada de anulación de estados de la consciencia, mito tantas veces cultivado por compositores a los que les interesaba presentarse ante el público como iluminados receptores de ideas celestiales.

Las grandes obras musicales de la historia son prueba de la plena necesidad de la consciencia y correcto uso del cerebro, pero el compositor (dice Alejandro Yagüe es también un Mago). La música posee una magia que audiencia debe adivinar y que puede elevarle a la ilusión espiritual de lo sublime, condición previa será que le oyente sea capaz de desarrollar el sentido de la escucha y que éste, esté dispuesto a admitir distintas perspectivas y formas de crear mundos sonoros, algo, que por cierto, puede contribuir de forma muy positiva a la formación ética la música enseña a escuchar las opiniones de los demás”.

 “Cada compositor, como en general cada artista de nuestro tiempo aspira a mostrar la originalidad de sus ideas, puede apoyarse en la tradición, pero ha de añadir necesariamente un rasgo de originalidad sonora”.

LA MÚSICA EN ESPAÑA

“Para llegar hasta el público las grandes ciudades ofrecen actualmente oportunidades muy buenas, aunque por desgracia sucede que en realidad la comunicación muchas veces no acaba de fraguar y las nuevas composiciones adquieren la fama de sonoridades raras no soportables más de cuatro minutos.

Así que ese ser islas con la que Alejando Yagüe remarca la individualidad de los compositores españoles termina por tomar un significado poco deseable, producto del choque de la originalidad con la incomprensión. -“Más que islas terminamos aislados, sea como sea y asumiendo ese riesgo el compositor debe ser lógico y consecuente con sus principios estéticos perseguir la perfección redunda siempre en el beneficio del arte.”-

La música contemporánea en España cada vez goza de mejor salud desde el punto de vista de oportunidades que se proporcionan a los nuevos compositores. Actualmente los departamentos de los composición de los conservatorios están ya mejor dotados en cuestión de profesorado, en cuestión de instrumentación, en cuestión de grupos de cámara y de orquesta, creo que la música contemporánea en España ha experimentado en estos últimos tiempos un gran avance,  además la cantidad de orquestas que cada comunidad autónoma tiene”.

“Una buena vía para darse a conocer lo constituyen los concursos, aunque a veces caigan en el error de promover obstinadamente de promover algún estilo muy determinado.

Podemos optar también por los blogs y páginas de Internet. La tecnología que ya nos ofrecía el vasto campo de la electroacústica y la influencia en los procesos compositivos se convierte también así en una muy buena herramienta de difusión.

Favorecedora es, la buena disposición de los intérpretes incluidos los más reconocidos. Hay actualmente un buen entendimiento entre autor y ejecutante. Un campo que va mejorando, pero que todavía tiene mucho por recorrer es la educación. Se supone que con Bolonia van a ponerse al día los planes educativos. Nos faltan cosas como que se creen facultades de música que sustituyan a los conservatorios, al igual que un pintor estudia bellas artes en la universidad, también un músico debería poder hacerlo.”

REPERTORIO VOCAL

Hemos recopilado las primeras obras de repertorio para coros del compositor, para poder comprobar cómo con el paso del tiempo cada vez componía menos de otros tipos, y más de este tipo enfocado a la música vocal, y especialmente al triple coro, como ocurre en la obra principal de este trabajo.

1.“Cantus Firmus nº 1”. (1982)
2. ”Cantus Firmus nº 2”. (1983)
3. “Cantus Firmus nº 3”. (1981)
4. “Cantus Firmus nº 4. (1982)
5. ”Utrum sidera.”(1986)
6. “Cantus Firmus nº5”.(1989)
7. “Primera Lluna.” (1983)
8. ”Trébol”.(1986)
9. ”Suite Infantil.”(1988)
10.“Segona Lluna”. (1988)
11. “Pulchra es, et decora.” (1989)
12. “Gaviotas”.(1990)
13. “Canto a la paz y la Cultura.”(1993)
14. ”Misa para una Catedral.”(1993)
15.”Cantus Firmus nº6”. (1995)
16.”Spanish Folk Songs 1” (1996)
17.”Pax vobis” (1996)
18.”Ecce Agnus Dei” (1997)
19.”Spanish Folk Songs 2”. (1998)
20.”Spanish Folk Songs 3″. (1999)
21.”Spanish Folk Songs 4 (1999)
22.”Spanish Folk Songs 5 (1999)
23.”Spanish Folk Songs 6 (1999)
24.“Rosa Mystica” (1999)

APPARUIT PARA TRIPLE CORO

Dadas las características de la obra a analizar, es necesario introducir ciertos aspectos antes de tratar un análisis de la misma.

Sentido estereofónico y espacial de la obra: colocación de los tres coros en torno al público.

Los coros se disponen tal y como se disponen los altavoces en la música electrónica (giro de las agujas del reloj). La composición ha tenido en cuenta los giros del sonido en torno al público.

Se trata de una obra para tres coros, y como el propio compositor nos explicó, los triples coros se colocan siempre así:

coro A, delante del público

coro B al lado del público ( en un lateral del auditorio)

coro C (detrás del público)

El director se coloca en el centro del público para que todos los coros le vean.

Nos parece importante destacar el hecho de que sea Alejandro Yagüe uno de los pocos compositores que trabajen con este tipo de disposición coral. Con esta disposición, el autor pretende que el oyente perciba el sonido estéreo a doce voces. Alejandro Yagüe es el compositor español que mayor número de obras corales A TRIPLE CORO ha compuesto.

Se llama sonido estereofónico o estéreo al grabado y reproducido en dos canales (disposición 2.0). Hoy en día los CD audio, la mayoría de las estaciones de radio FM, casetes y la totalidad de canales de TV y televisión vía satélite, transmiten señales de audio estéreo. El propósito de grabar en sonido estereofónico es el de recrear una experiencia más natural al escucharlo, y donde, al menos en parte, se reproducen las direcciones izquierda y derecha de las que proviene cada fuente de sonido grabada.

 

- Obra coral con temática de Navidad.

EL texto está muy elegido: Textos de San Pablo escogidos.

-Tema filosófico y teológico. 

-Texto en latín, para que cualquier coro del mundo pueda cantarlo.

La navidad desde estas perspectivas, y la lengua elegida, el latín, “para que todo el mundo lo entienda” hacen evidentes lo bien seleccionado y trabajado del mismo.

La composición para triple coro, modalidad en la que destaca Alejandro Yagüe, se compone de los siguientes textos religiosos:

1. “Apparuit quem genuit Maria” (Gradual Mosburg de 1360). Apareció aquel a quien María engendró.

2. “Apparuit benignitas et humanitas Salvatoris” (carta a Tito 3.4). Apareció la bondad del Salvador y su amor para con los hombre.

3. “Et vita apparuit” (epístola Juan 1.2). Y la vida apareció.

4. “Apparuit caritas Dei in nobis” (epístola Juan 4.9). Apareció el amor de Dios por nosotros.

5. “Apparuit gratia Dei salvatoris nostri ómnibus hominibus (carta a Tito 2.11). Apareció la gracia de Dios salvador nuestro sobre todos los hombres.

- La melodía de “El canto de los pájaros”, aparece en la obra al final en las sopranos de los tres coros, que hacen girar la melodía en torno al público.

Al final de la obra aparece “El canto de los pájaros”, pero desde el comienzo aparecen células melódicas y a veces rítmicas, o imitaciones de células melódicas que están en “El canto de los pájaros”. Esas células se acompañan con los textos teológicos.

El cant dels ocells (El canto de los pájaros, en castellano) es una canción popular catalana, de origen desconocido y tradicional de Navidad. La letra gira alrededor del nacimiento del niño Jesús.

Aun cuando se desconoce el nombre del autor original, es común que se asocie con la figura del ilustre violonchelista catalán Pau Casals principalmente después de que la adaptara y tocara en numerosas ocasiones, entre las cuales destaca la interpretación de la misma en la sede de las Naciones Unidas, donde también estaba invitado como conferenciante.

En Cataluña es típico honrar a los difuntos ilustres con una despedida silenciosa mientras se escucha el violonchelo de Pau Casals, ya sea en el ámbito político como en los campos de fútbol.

Durante la guerra de sucesión española, se usó una versión del mismo como himno por parte de los partidarios del archiduque Carlos de Austria.

En veure despuntar el major lluminar en la nit més ditxosa,

els ocellets cantant a festejar-lo van amb sa veu melindrosa.

L’àliga imperial pels aires va voltant, cantant amb melodia,

dient: ‘Jesús és nat per treure’ns de pecat i dar-nos l’Alegria’.

Respon-li lo pardal: ‘Esta nit és Nadal, és nit de gran contento’.

El verdum i el lluer diuen, cantant també: ‘Oh, que alegria sento!’

Cantava el passerell: ‘Oh, que formós i que bell és l’Infant de Maria!’.

I lo alegre tord: ‘Vençuda n’és la mort, ja neix la Vida mia’.

Cantava el rossinyol: ‘Hermós és com un sol, brillant com una estrella’.

La cotxa i lo bitxac festegen el manyac i sa Mare donzella.

La garsa, griva i gaig diuen: ‘Ja ve lo maig’. Respon la cadernera:

‘Tot arbre reverdeix, tota planta floreix, com si tot fos primavera’.

Traducción

Al ver despuntar el mayor resplandor en la noche más dichosa, los pajaritos van a cantarle con su melosa voz.

El águila imperial va por los aires, cantando con melodía, diciendo: Jesús ha nacido para librarnos del pecado y darnos la Alegría.

Le responde el gorrión: Esta noche es Navidad, es noche de gran contento. El verderón y el lúngano dicen, cantando también: ¡Oh, qué alegría siento!

Cantaba el pardillo: ¡Oh, qué hermoso y qué bello es el Hijo de María! Y el tordo alegre: Vencida ha sido la muerte, ya nace mi Vida.

Cantaba el ruiseñor: Es hermoso como un sol, brillante como una estrella. El colirrojo y la tarabilla celebran la criatura y su Madre doncella.

La garza, el zorzal y el arrendajo dicen: Ya viene el mayo. Responde el jilguero: Todo árbol reverdece, toda planta florece, como si todo fuese primavera.

Características

- Melodía catalana 

- Posiblemente no es melodía popular sino melodía de autor,  por tratarse de una melodía bien formada que no tiene más variantes.

- Se dice que su autor pudiera ser un músico catalán de Montserrat.

- Existen además otras adaptaciones de la letra, como la de los cantantes Lluís Llach , Maria del Mar Bonet o Rosa López

 - Policoralidad. Comparación con La obra “In Praesepio”  que también tiene un carácter navideño e ideas muy similares.

APPARUIT  Es la número 58 de todas las composiciones vocales que ha compuesto y es la más reciente. La compuso en el año 2012 y está dedicada a Lluís Vilá y al coro Sant Jordi de Barcelona. Su duración aproximada es de cinco minutos.

Escuchar Audio (midi):  Apparuit 

Su estructura es muy sencilla a la vez que poco habitual tratándose de:  Introducción y las partes ABCDEFG, lo que le otorga mucho dinamismo al no ser tan repetitiva como la típica estructura de las canciones corales.

La obra aunque sin alteraciones en la armadura, comienza claramente en un do menor y todas las voces al unísono siguiendo una línea similar aunque a veces se desplieguen algunos acordes.

La introducción se puede dividir en dos partes: la primera tiene dos células a y b que se repiten y la segundo nos lleva, con una escritura más rítmica, hacia la parte A, jugando con la repetición de voces pero en octavas más graves o más agudas.

En la parte A, lleva la melodía principal el primer coro, luego en un breve fragmento pasa al segundo coro, que hace una especie de eco de lo que hizo el primero, y finalmente al tercer coro, mientras los demás hacen un juego rítmico de semicorcheas sin descanso.

A partir del compás 18 se repite la introducción pero esta vez una tercera más aguda y con una variación al final que nos conduce a la parte B

La parte B es la más rítmica de todas las de la obra debido a la alternancia de semicorcheas en todas las voces lo que hace que no haya ningún momento en la que no estén sonando, lo que le confiere una mayor inquietud.

Al empezar la parte C cambia totalmente el estilo a una tonalidad más estable como Fa mayor. Es una reseña que nos anuncia la tonalidad final de la obra. Es esta parte la melodía principal la lleva la tercera voz.

Ya en la parte D hay un juego de preguntas y respuestas entre el primer coro y el segundo, siendo a veces las respuestas, repeticiones duplicando notas o en otra tesitura, todo esto mientas el tercer coro lleva una melodía con un soprano muy marcado, que actúa como una especie de puente de transición hacia fa menor que es la tonalidad en la que se encuentran la parte E y la F.

Al llegar la parte E,  ya cambiamos definitivamente de tonalidad marcada por la armadura pero además porque todas las voces comienzan en unísono con la tónica de la tonalidad.

Aquí se sigue algo parecido a un canon entre todas las voces utilizando corchea con puntillo y semicorchea como figura principal.  Un recurso que el compositor utiliza con mucha frecuencia a lo largo de toda la obra.

La parte F es una repetición exacta de la segunda sección de la parte E, a partir del compás 57 , con la única excepción del último compás, por lo que nos hace pensar que es una de las melodías principales de la obra en conjunto. Además de ser muy espectacular se encuentra repetido.

Finalmente, en la última parte G, pasamos a la tonalidad de fa mayor de la que anteriormente tuvimos una reseña. Sin ninguna alteración accidental como las que han dominado el resto de la obra, ésta acaba de forma armónica y tonal, llevando la melodía principal la primera voz y la tercera.

En un plano general de la obra cabe destacar las notas largas y  los ritmos movidos, como son las semicorcheas y la corchea con puntillo y semicorchea.

Ninguno de los tres coros tiene tesituras especiales, ni muy graves ni muy agudas, y se mueven en registros parecidos. Todos ellos son masculinos y femeninos tratándose de las clásicas voces soprano, contralto, tenor y bajo.

Aunque el tempo es andante, las alteraciones disonantes crean un ambiente de expectación, y junto con los cambios de ritmos y melodías, hacen que la obra parezca más corta de lo que en realidad es.

Descargar partitura (pdf):  Apparuit

Descargar Audio (midi):  Apparuit

CONCLUSIÓN Y VALORACIÓN PERSONAL

Este trabajo nos ha resultado muy enriquecedor e interesante porque nunca habíamos investigado tan a fondo sobre los compositores de música contemporánea, y además somos un poco reacios a este tipo de música . Tuvimos la suerte de que las obras del compositor Alejandro Yagüe tiene toques y armonías clásicas que hacen que sean más fáciles sus análisis, así como más agradables de escuchar.
El análisis nos ha permitido conocer que hay compositores actuales muy importantes y con mucha repercusión en el futuro, por la cantidad de obras compuestas desconocidas para muchos de nosotros. Compositores que saben escribir con excelencia tanto música antigua como actual.
Esta obra recoge el trabajo y la evolución que han sufrido los coros desde el cantus firmus, hasta llegar a  juntarse un número mayor de coros para dar lugar a melodías nuevas, que siguen impactando al público.
Alejandro Yagüe considera que un buen compositor de obras corales necesita tener una importante cultura literaria, porque necesita de esas ideas para hacer la música, como usar las vocales… en ese aspecto piensa que podríamos copiar un poco de Italia en esa educación, la formación humanística en general es imprescindible además de la innovación; es necesario que los nuevos compositores se salgan de los tópicos, de los Ave Maria, los Aleluya…
Tras haber investigado y buscado información sobre el compositor a tratar, nos hemos dado cuenta de algo, que aunque ya sabíamos de su preocupante situación, realmente nos parece importante destacar en este trabajo fin de curso: Queremos referirnos a la grave situación en la que se encuentra la música, y en general todas las artes clásicas.

Con este trabajo hemos sido consciente del cada vez menor papel que tiene nuestra musa en la actualidad. Hay que sumar a este hecho la actual crisis económica en la que nos hayamos sumidos, causante de los acusados recortes que se hacen a la cultura y especialmente a los músicos y sus estudios. Continuamente compañeros y, grandes artistas como Alejandro Yagüe se ven obligados a seguir con sus enseñanzas fuera del país. Pero no solo eso: no hay día que en  los medios de comunicación no se anuncie alguna reducción de plantilla en orquestas, o incluso teatros, museos etc.

¿Es realmente esto necesario? ¿Qué es un pueblo sin cultura?

A modo de reflexión, creemos que la cultura y la educación es la base de toda sociedad, es, de hecho, lo que hace a los hombres libres, lo que nos hace seres racionales y los que nos diferencia del resto de animales.

Si en un país en el que siempre han escaseado estas dos enseñanzas, los pocos, pero grandes músicos, o artistas en general, así como todos los precursores de las artes, se ven obligados a emigrar o, simplemente, sus medios son reducidos, ¿Qué va a ser de nuestro país? La respuesta es sencilla: Será un país con una población sumisa e incapaz de pensar por sí misma, un país sin un pasado y sin un presente, por no hablar ya del futuro venidero.

INFOGRAFÍA

http://coralea.com/apuntes-sobre-la-inspiracion-por-alejandro-yague/

http://es.scribd.com/doc/35141953/Estereofonia

http://alejandroyague.blogspot.com.es/

http://www.ctv.es/USERS/alyag/spvocal.htm

http://www.yolandasarmiento.com/category/fundamentos-de-composicion/siglo-xxi/page/4/

 … Además de la gran colaboración y disposición del propio compositor, al que agradecemos su gran aportación y su gran disposición en colaborar con nosotros para llevar a cabo este comentario analítico.


Si te ha gustado esta entrada ¡Compártela!

Comments are closed.