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El siglo XXI. Alberto García Demestres

Submitted by on 11 junio, 2012 – 15:17No Comment

El siglo XXI. Comentario analítico realizado por los alumnos de Análisis y Fundamentos de composición, del Conservatorio Profesional de Música de León “José Castro Ovejero” (Mayo de 2012)

El nivel técnico e interpretativo del alumno en 5º y 6º de E.P., le permite trabajar un repertorio de obras, cuyas dimensiones formales, complejidad armónica, polifónica y de elaboración temática, y variedad estilística y estética, hacen necesario profundizar en el conocimiento de los principales elementos y procedimientos del lenguaje musical, y su relación con las distintas técnicas compositivas, con el fin de avanzar cada vez más en una comprensión de dichas obras que posibilite su interpretación adecuada.

Con este propósito, se ha pretendido dar un paso más allá, intentado enriquecer a los alumnos a través del análisis musical de obras “vivas”, obras de compositores españoles e hispanoamericanos del siglo XXI. Todo ello a través de una estrategia de indagación, motivadora para que el alumno realice él mismo su propia aproximación a la comprensión musical, siendo protagonistas de su aprendizaje por descubrimiento.

Mediante sistemas de análisis, se reseña como pautas de actuación, reconstruir el mundo sonoro imaginado por el compositor, desarrollar un sentido crítico en cuanto a la estética sonora y, valorar la riqueza expresiva de las distintas formas de expresión musical.

Es el desarrollo de la personalidad y la sensibilidad propias del alumno el fin último que se persigue, de manera tanto más acusada cuanto que la música es, ante todo, vehículo de expresión de emociones.

Asimismo se intenta fomentar la curiosidad por conocer las creencias, actitudes y valores básicos de la música actual; el gusto por el trabajo bien hecho, y una actitud de superación y mejora.

El análisis se ha centrado en el estudio de un reducido número de obras de diferentes compositores:

- “Ertzak”. Gabriel Erkoreka

- “Maternitat”. Alberto García Demestres

- “Ludendo in Rythmis Modulatis. Miguel Manzano

- “Tet- Vav”. Jacobo Durán Lóriga

- “Kaleena”. Eneko Vadillo

- “Nadir”. Consuelo Díez

- “Concierto para trompeta”. Fabián Panisello

- ”El sueño de la razón produce monstruos”. Ricardo de Armas

- “El esfuerzo”. María de Alvear

- “Karak dels Cavallers”. José Rafael Pascual- Vilaplana

- “Tres imágenes de Francesca”. Alfredo Aracil

- “La memoria del tiempo”. Raúl Minsburg

Se expone las concusiones de los alumnos que han participado en cada uno de los comentarios analíticos propuestos.

En nombre de todos ellos y, como profesora de las asignaturas de Armonía, Análisis y Fundamentos de Composición, deseo mostrar mi agradecimiento a cada uno de los compositores, que amablemente han regalado su tiempo al alumnado con una ayuda directa y, aportaciones muy valiosas. Desde el conservatorio de León “José Castro Ovejero”,

GRACIAS!

Alberto García Demestres (n. 16 de mayo de 1960. Barcelona)

En su página web, nos relata la biografía de un modo muy peculiar:

“Nací el 16 de mayo de 1960 en la calle Decano Bahí, no 13, 2o3a, de Barcelona.

A las 4 de la madrugada salí disparado del útero de mi madre contra el suelo del comedor. Aparentemente no hubo grandes daños más allá de un chichón enorme en el centro de la cabeza. Durante años en mi familia se dijo que mi interés por la poesía y la música contemporánea, así como cualquier gesto que hiciese fuera de lo “normal”, se debía, sin duda, a ese primer golpe.

Algunos nacen con estrella, otros, literalmente, nacimos estrellados. Cuando mis padres asistían a conciertos yo conseguía librarme y me quedaba jugando con mi vecina, estaba completamente enamorado de ella. Pero al cumplir nueve años mis padres me dijeron que había llegado el momento de vivir un concierto en directo, y que ni llantos ni pataleos iban a servirme de nada esta vez.

Con la corbata puesta y todo mi malhumor llegué al maravilloso Palau de la Música Catalana de Barcelona. ¡Nada menos que Arthur Rubinstein interpretando obras de Albeniz y Chopin!

Salí de allí con mis mejores morros, siempre he sido muy tozudo, pero durante el concierto todos habían visto en mis ojos y en mi emoción que había encontrado mi camino.

A los pocos días mi madre me llevaba de la mano a mis primeras clases de solfeo y guitarra. Desde entonces AMOR y MÚSICA han sido mis guías.”

Además de este carácter bromista, el compositor hace gala de diversos títulos:

  • 1985/1990: Canto (Conservatorio G.B.Martini-Bologna)
  • 1983/1984: Composición Electroacústica (Conservatoire National de Paris)
  • 1982/1984: Dirección (Musikhochschule-Institut Wuppertal)
  • 1970/1981: Piano, Composición y Dirección (Conservatorio Superior Municipal de Música de Barcelona)

Alberto García Demestres inicia los estudios musicales (composición, canto y piano) en su ciudad natal, ampliándolos en Wuppertal, Paris, Modena y Bologna, y completando su formación en los cursos de Darmstadt, Aix en Provence, Niza, Granada y Bayreuth.

Estudió composición con Josep Soler , recibió consejos de Luciano Berio y le concedieron becas para participar en los cursos impartidos por Luigi Nono, Helmut Lachemann, Luis de Pablo, etc.

Estudió canto con Leone Magiera, Arrigo Pola y Luciano Pavarotti; le concedieron becas para participar en los cursos impartidos por Alfredo Kraus, Gabriel Bacquier, Elisabeth Schwarzkopf

Dominando los recursos técnicos y expresivos más variados, con su lenguaje ecléctico filtra múltiples influencias sin huir del lirismo, que practica sin complejos ni concesiones.

No ha perdido nunca el espíritu rebelde e inconformista (la crítica siempre ha hablado de él como “enfant terrible”, “francotirador” o “outsider”), cosa que en su música se traduce en frescura, comunicatividad y brillantez, con una gran imaginación tímbrica y una búsqueda continua de contrastes sorprendentes, sin banalidades y con el objetivo claro de no aburrir.

La ironía y el humor son constantes en su obra. Demestres encuentra espacio para el humor y la ironía, incluso en una obra tan dura como Il sequestro, estrenada en la temporada 2009/10 del Teatro Comunale Luciano Pavarotti de Modena, y aclamada tanto por el público como por la crítica:

  • “Golpe final y triunfo para el nuevo trabajo del compositor español”Corriere della sera.
  • “Una historia que te deja sin aliento con una bellísima música que consigue hacértela entrar debajo de la piel”Modena Qui.
  • “Fascinados, aterrados, los espectadores estuvimos agarrados o clavados a la butaca: al final de la obra, grandísimos aplausos”Revista Scherzo.

Se han interpretado públicamente más de cien obras suyas y se han editado diecisiete CD de su música, óperas, música de cámara, bandas sonoras originales.

Creador e intérprete ecléctico hiperactivo ha hecho una carrera discreta como cantante y pianista, ha publicado poesía, hecho exposiciones de pintura, actuado en obras de teatro, cine y televisión, etc… Sus deseos por divulgar la música contemporánea le llevó a dirigir y presentar durante ocho temporadas el programa de radio “Tutto Demestres” y a promover los “Premis Tutto” para jóvenes intérpretes.

Durante dos años consecutivos gana el segundo premio del concurso internacional OPERA VISTA de Houston, con sus óperas “Joc de mans” y “Il sequestro”.

En octubre del 2011 es nombrado “Guest Composer in residence” del festival “The seasons en Yakima” (Washigton), cargo en el que ha sido ratificado para la próxima edición del festival, y ha sido invitado para ir a componer a YADDO -Saratoga Springs (NY), sin duda una de las residencias de artistas con más prestigio del mundo, durante los primeros meses de 2012.

Su obra es muy extensa, abarcando desde el repertorio para instrumento solo, a obras para formaciones:

  • Canço francesa (1993), flauta y arpa
  • Clarinet, dona i ocells (2009), clarinete, marimba y electroacústica
  • Insomni (2002), flauta y piano, cuarteto de saxofones
  • Vista i no vista (2006), violín, violonnchelo y piano; clarinete y marimba

Obras para conjunto instrumental; voz y piano:

  • Canciones de oropel (2002/2012)
  • Canço de Bresol (2012)
  • Cuentos eróticos para niños elegidos (1990)
  • Sardana para Joan Miró (1992)
  • Maternitat (2011)

Es también compositor de música escénica:

  • Il  sequestro (2009)
  • Adelgaza en tres días o Valparaíso (1998)

Música para orquesta, con o sin solista; Música para audiovisual:

  • El día más difícil del Rey (2009)
  • Aguaviva (2005)
  • Chicos normales (2007)
  • Volaverunt (1998) de Bigas Lunas

Es autor también de una obra radiofónica:

  • Diario de un compositor (2003)

El compositor, Alberto García Demestres,  en una entrevista con Gemma Nierga y Juan Carlos Ortega, en el programa la Ventana de Cadena Ser, hace las siguientes valoraciones sobre su obra y nos traslada su visión particular sobre la música en general y la contemporánea en particular.

Considera, como compositor de opera, que la opera en el siglo XXI debería tratar temas actuales como la bulimia, la anorexia, la gordura, la belleza y alejarse un poco de los temas clásicos. La opera debe ser algo muy vivo, un medio de comunicación a las conciencias que nos traslada emociones. Para ello, el reconocimiento a la importancia de la voz humana como canal de comunicación, mas que los instrumentos.

Demestres viaja con frecuencia a Estados Unidos y piensa que puede ser su próximo país de residencia. Quizás sea el momento de irse fuera, de tomar distancia con la realidad del país, para así poder ver esa realidad de un modo mejor.

Respecto a su tarea como creador valora muy especialmente el hacer lo que se cree se debe hacer y hacerlo con honestidad. Lo importante  es ser y si llega el reconocimiento del publico o de la critica mejor.

La música debe ser un fenómeno cultural comprensible, no una mera sucesión de efectos sonoros incomprensibles para muchos, algo que tristemente es el reflejo que tiene hoy en día la música contemporánea. La música intelectual, científica, no funciona. Sacar a la gente de la salas se veía como un éxito pero el tiempo demuestra que esa idea no funciona.

Alberto García Demestres recoge el testigo de Mahler o Sibelius. El humor es algo también muy importante para el compositor. Lo absurdo también forma parte de la creación operística pero ese absurdo se adjudica al alma de la persona que es en realidad el que traslada mediante la voz, las emociones. Así se ve por ejemplo en su opera “Juegos de Manos”, en el que el dedo gordo decide marcharse de el resto de los dedos.

MATERNITAT

Canción para voz y piano (2009)

Poema: Àlex Susanna
Música: Alberto Garcia Demestres
Tenor: Antoni Comas
Pianista: Albert Guinovart

Fue encargada por el Festival The Seasons (Las estaciones) de Yakima, Washington.

Basada en un poema de Alex Susanna sobre la “Maternidad”, el compositor nos transporta al momento sublime en el que el recién nacido y su progenitor o progenitora se encuentran en torno al biberón y en torno a la ternura de ese momento que es alimentar a un bebe.

La letra del poema es dulce, y evoca un momento efímero de una gran sentimentalidad, basado en el amor por los hijos.

Llama la atención, la construcción de la obra “Maternitat” sin referencia concreta a un compás, pero que sin embargo están definidos, alternando valores binarios con ternarios y cuaternarios, en correspondencia con los compases de dos, tres y cuatro por cuatro.

Destaca la anotación del comienzo”Essere molto paziente con il tempo, che non esiste…” (“ser muy paciente con el tempo, que no existe”).

La indicación del metrónomo es negra = 44. Según avanza la obra este tempo sube a 50, “Poco più”, mientras el piano pasa de una figuración blanca (redondas y blancas) a corcheas y semicorcheas en tresillos. El compositor indica que “la voz no debe dejarse andar”, probablemente influenciada por este ritmo más movido en el acompañamiento pianístico.

Una vez se calma el tempo, se vuelve al Primo tempo, llegando hasta un senza tempo en el punto álgido del Lied, con un calderón. Este esquema de aceleraciones y deceleraciones se repite a lo largo de la obra hasta llegar a un rallentando final.

Caben destacar otras anotaciones como “Sostenere la nota il massimo possibile, pare se quasi niente voce” (“sostener la voz el máximo posible hasta casi no tener voz”), contrastado con fusas en el acompañamiento del piano.

Las figuras rítmicas más destacadas para el piano son las blancas y redondas en las partes más densas y lentas de la obra, y los grupos de fusas o tresillos de corcheas o semicorcheas en las partes ligeramente más veloces. En la voz destacan las figuraciones de blancas o negras con puntillo y los tresillos, respectivamente.

La textura del Lied es homofónica, melodía acompañada. Como es natural, la voz, un tenor, se encuentra en la melodía superior y el piano asume la tarea de acompañarla. Las pautas del acompañamiento suelen ser simples; fluctúan entre acordes en las partes lentas y el típico acompañamiento pianístico de una nota en cada mano en las rápidas.

En la voz, la obra se desarrolla sin grandes saltos, no más que de una séptima, por las obvias características de la voz humana. Quizá el salto más característico es el de 3a. El piano tiene grandes saltos de varias octavas, especialmente en los ligeros cambios de tempo o conforme se va acercando al reposo en mitad de la obra.

La extensión de la melodía, amplísima en el piano, abarca poco más de una octava en la voz: una 10a (fa 3 – la 4). No predomina ni el sentido ascendente ni el descendente, conformándose la obra con una fluctuación entre ambos. Se puede observar que después de cada verso del poema, o aprovechando los reposos dentro de los mismos, la voz efectúa sus respectivos reposos, confirmándose así la cierta subordinación de la música al texto. Es característica la repetición de una célula en el acompañamiento del piano al principio de casi todas las frases.

Las frases, y sus correspondientes motivos, están sujetos al texto del poema. El piano carece de silencios y momentos vacíos, es la constante sobre la que se articula una melodía vocal que contiene sus pausas, marcadas por la dinámica de los versos que musicalizan. Es una pieza corta, un Lied breve e intenso.

En las cuatro frases, introducción y coda, cabe destacar la célula repetitiva del principio del acompañamiento, bien imitada directamente o modificándola ligeramente,  sólo como un recuerdo. La voz principal se caracteriza por sus tresillos, que contribuyen a diluir cualquier noción que el oyente pueda creer tener del compás.

Esta forma no corresponde a ninguna de las formas convencionales. Se estructura en diferentes secciones:

Compases 1 al 12

La primera frase se extiende desde el primer grupo de compases hasta el 12. Consta de dos semifrases, marcadas en el texto. La primera tiene un acompañamiento más reposado que se torna vivaz en la segunda.

Quan de matinada, després de donar-te el biberó més intempestiu toda saciada em mires sense veure’m.

Quan de matinada,                                                       Cuando de madrugada,

Després de donarte el biberó                                   Después de darte el biberón

més intempestiu, toda saciada                               mas intempestivo, toda saciada

em mires sense veure’m.                                            me miras sin verme.

El piano comienza con una introducción que dura 12 tiempos. Aunque no tiene compás, éstos están marcados en la partitura; por lo tanto, todas las frases son irregulares: el tiempo no existe. Simplemente están marcadas por los reposos que efectúa la voz, y por la fluctuación rítmica entre tempos.

La obra no posee una tonalidad claramente establecida, por lo que podemos hablar de atonalidad: no existen las fuerzas V-I para establecer una tonalidad clara. La armadura es la de re bemol mayor, pero la nota que efectúa la mayor atracción es la bemol.

La atonalidad se hace patente al erradicar completamente la armadura y volver a ella unos compases más tarde; la obra no está sujeta a ningún canon armónico desde el punto de vista clásico. A causa de las disonancias, el oyente no identifica la tónica. Si bien la obra parece que gira alrededor de la bemol, podemos observar que, por ejemplo, en muchas ocasiones este sonido aparece como la natural.

El ritmo armónico suele durar poco más de un tiempo, lo que contribuye a la sensación previamente descrita de confusión y atonalidad.

Compases 13 al 19

La segunda frase iría del compás 13 al compás 19. Se repite el motivo inicial con el que empezó el piano, esta vez acompañando dulcemente a los primeros versos de la frase. Después, el acompañamiento vuelve a acelerar su ritmo.

fixament, sabent només d’on ve la meva veu, i llavors sense motiu em somrius,

fixament,                                                                        fijamente,

sabent només d’on ve la meva veu,                        sabiendo tan solo de donde viene mi voz,

i llavors sense motiu em somrius,                         y entonces sin motivo me sonríes,

Empleo de tresillos entre los compases 1 y 19, correspondientes a las primeras secciones en las que  se divide la obra.

Compases 20 al 31. 

La tercera frase, del compás 21 al compás 30, precedida de un pequeño motivo de unión que recuerda al que utiliza el piano para comenzar al principio, con una linea melódica plagada de notas en uno de los puntos álgidos del texto.

em sento agraït com poques vegades/ quan de mica en mica em rreconeguis, ¿tornaràs mai a donar-me tant en tant poc temps,

em sento agraït com poques vegades                  me siento agradecido como pocas veces

quam de mica en mica em rreconeguis,              cuando poco a poco me reconozcas,

¿tornaras mai a donarme tant                               ¿nunca volverás a darme tanto

en tant poc temps,                                                     en tan poco tiempo,

Un acompañamiento de arpegios quebrados con valores de fusas en el compás 25 y siguientes, sobre un bajo de corcheas con puntillo, nos conduce al momento de mayor tensión del poema.

Cambio de armadura en compás 29. Un cambio de tonalidad y una progresión descendente nos devuelve a la armadura inicial, sobre un acompañamiento de acordes en una dinámica muy suave.

A parte de una generosa cantidad de comentarios por parte del compositor, la partitura no presenta ninguna anomalía que sea digna de mención; como única excepción no convencional se encuentra una flecha para indicar el desvanecimiento de la voz. La notación es común, con una línea melódica bien definida en la voz, numerosos acordes en la mano izquierda del piano, y muchas indicaciones de octava alta en la derecha.

Al no haber compás, el ritmo se estructura a través de los matices y los cambios de un tempo que fluctúa a lo largo de la pieza. Abundan los matices suaves, como mp, p, pp, ppp y hasta ppppp como colofón de esta obra; para la voz no hay matices sino indicaciones de cómo se debe cantar.

Compases 32 al compás final

La cuarta frase, del compás 31 al compás 35, tiene valores largos en el acompañamiento.

ni que sigui com ara sense saber-ho?

ni que sigui                                                                  aunque sea

com ara sense saber-ho?                                         como ahora sin saberlo?

Tonalidad inicial. La mirada perdida del recién nacido, su dependencia, su debilidad  es interpretada por el tenor en un matiz pianísimo, a modo de arrullo, con un acompañamiento del piano en torno a la dominante, La bemol.

Para finalizar, hay una pequeña coda lenta sobre la nasalización del cantante. Termina en un aliento musical, con un matiz extremadamente piano, muy propio del ambiente humano que describe el poema.

CONCLUSIÓN Y OPINIÓN PERSONAL 

“Es un canto a la vida, en el que madre e hijo se encuentran y comparten sus vivencias. Una melodía en el que el registro agudo del tenor y el matiz piano, expresivo y tierno, se refugian en disonancias perfectamente tratadas que convierten la melodía en un verdadero canto al amor maternal”.

“Esta obra aúna diversos componentes emocionales que la convierten en una explosión de sentimientos, breve pero intensa. Sencilla, con líneas melódicas que evocan calidez y un acompañamiento que varía según las necesidades rítmicas y expresivas. Es una obra muy dulce y bella.

Resulta difícil evaluar lo que significa una obra de arte para una sociedad al mismo tiempo que se está difundiendo. Basada en un evocador poema a cargo de Àlex Susanna, tiene como fin último la transmisión de un sentimiento, difícil de explicar de un modo banal y monótono, pero sin embargo infinitamente sencillo de canalizar en una pieza artística de gran calibre”.

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