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El siglo XXI. Agapito Galán

Submitted by on 23 agosto, 2013 – 11:29No Comment

El siglo XXI. Comentario analítico realizado por los alumnos de Análisis y Fundamentos de composición, del Conservatorio Profesional de Música de León “José Castro Ovejero” (Mayo de 2013)

El nivel técnico e interpretativo del alumno en 5º y 6º de E.P., le permite trabajar un repertorio de obras, cuyas dimensiones formales, complejidad armónica, polifónica y de elaboración temática, y variedad estilística y estética, hacen necesario profundizar en el conocimiento de los principales elementos y procedimientos del lenguaje musical, y su relación con las distintas técnicas compositivas, con el fin de avanzar cada vez más en una comprensión de dichas obras que posibilite su interpretación adecuada.

Con este propósito, se ha pretendido dar un paso más allá, intentado enriquecer a los alumnos a través del análisis musical de obras “vivas”, obras de compositores españoles e hispanoamericanos del siglo XXI. Todo ello a través de una estrategia de indagación, motivadora para que el alumno realice él mismo su propia aproximación a la comprensión musical, siendo protagonistas de su aprendizaje por descubrimiento.

Mediante sistemas de análisis, se reseña como pautas de actuación, reconstruir el mundo sonoro imaginado por el compositor, desarrollar un sentido crítico en cuanto a la estética sonora y, valorar la riqueza expresiva de las distintas formas de expresión musical.

Es el desarrollo de la personalidad y la sensibilidad propias del alumno el fin último que se persigue, de manera tanto más acusada cuanto que la música es, ante todo, vehículo de expresión de emociones.

Asimismo se intenta fomentar la curiosidad por conocer las creencias, actitudes y valores básicos de la música actual; el gusto por el trabajo bien hecho, y una actitud de superación y mejora.

El análisis se ha centrado en el estudio de un reducido número de obras de diferentes compositores:

- “Grazyna”. Jordi Cervelló

- “Sonatina” para violín solo. Jordi Cervelló

- “Nuances para saxo”. Agapito Galán

- “Entre la realidad y el deseo”. Alberto Carretero

- ”Fortspinnung für Streichtrio”. Alberto Carretero

- “Apparuit”. Alejandro Yagüe

- “Santísimo Cristo de la Salud”. Antonio Moreno

- “Angustiarum Plena”. Antonio Moreno

- “Poética”. Jesús Torres

- “Noche Oscura”. Jesús Torres

- “Evanescencia”. Fernando Lópéz Blanco

- “Visiones·. Joan Magrané

- “Fósiles”. José Minguillón

- “Cococha nº 2″ para piano. José MInguillón

- ”En tu cara dormida”. Manuel Comesaña

- “Dúo para piano- violín”. Manuel Comesaña

- “Haiku del aire”. Mario Carro

- “Alcazar de Elda”. Rafael Mullor

- “… Es particular”. Sonia Megías

- ”Triangle”. Sonia Megías

- “Ritmos de vidrios rotos”. Eduardo Polonio

Se expone las concusiones de los alumnos que han participado en cada uno de los comentarios analíticos propuestos.

En nombre de todos ellos y, como profesora de las asignaturas de Armonía, Análisis y Fundamentos de Composición, deseo mostrar mi agradecimiento a cada uno de los compositores, que amablemente han regalado su tiempo al alumnado con una ayuda directa y, aportaciones muy valiosas. Desde el conservatorio de León “José Castro Ovejero”,

GRACIAS!

Agapito Galán  Rivera (1965. Caracas. Venezuela), compositor, guitarrista y artista visual.

E-mail: agapitogalan@gmail.com     agapitogalan@yahoo.com

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Estudia artes visuales en el Instituto Federico Brandt y en MACCSI (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imbert).

Estudia música en el Conservatorio Nacional José Ángel Lamas, en la Escuela de Música Ars Nova, y el Museo de teclado.

Estudia composición con Diógenes Rivas en Venezuela, y con David Del Puerto en España. Más tarde estudia Electroacústica y Computer Music en el CDMC (Centro Reina Sofía), Madrid.

Licenciado en Composición Musical de la Universidad Central de Venezuela. También ha participado en clases magistrales con Adolfo Núñez, Claude Ballif, Tomás Marco, José Manuel López, Cristóbal Halffter, Juan Francisco Sans, Gerardo Gerulewicz y Alfredo del Mónaco, entre otros.

Sus composiciones incluyen obras para orquesta, música de cámara, instrumentos solistas y electroacústica.

Ha participado en eventos y festivales internacionales de música en América Latina, EE.UU. y Europa.

Su música ha sido interpretada en varios festivales durante estos últimos años

El Festival Latinoamericano de Música se ha venido celebrando en Caracas en forma consecutiva desde 1990, continuando con la tradición de los Festivales iniciados en 1954 por el Dr. Inocente Palacios.

El Festival se ha caracterizado por invitar a los compositores más sobresalientes de América Latina y otras latitudes e interpretar sus obras a cargo de nuestros más relevantes instrumentistas y agrupaciones musicales.

Este evento se ha convertido, desde su reinicio en 1991, en una de las pocas oportunidades para la difusión de la música de nuestros compositores. La expectativa por este encuentro ha crecido año tras año, su repercusión a nivel nacional e internacional ha sido también muy reconocida.

De hecho, la asistencia del público ha crecido notablemente, convocando no sólo a profesionales y especialistas de la música y al público habitual de las salas de concierto, sino también a una audiencia que comprende jóvenes de diversos intereses y estratos sociales.

La BVB busca explorar formas de aproximación entre el arte y el barrio Venecia de Bogotá D.C., mediante estrategias pedagógicas articuladas con el contexto de la comunidad. Cuando hablamos de pedagogía en el marco de la Bienal, la entendemos como un espacio donde circulan y se confrontan distintos saberes en torno al arte, su papel, sus audiencias.

La Bienal pretende apoyar la búsqueda de la propia comunidad para transformar sus formas de vida, explorando con ella nuevos elementos de interpretación de su cotidianidad, nuevos referentes para leer y experimentar su relación con el espacio urbano, el barrio y consigo mismos.

Esta Bienal se aúna a los esfuerzos que se vienen haciendo desde distintos sectores sociales, públicos, profesionales y académicos para movilizar nuevos conceptos y prácticas de lo comunitario. Para los artistas esto implica un compromiso diferente con los resultados de su obra, puesto que la Bienal propone la búsqueda de “otras” soluciones, condiciones y campos de acción para sus proyectos en un escenario único: el barrio.

Es la segunda Bienal de artes en importancia después de la de Venecia. Es a la fecha una de las principales exhibiciones del arte moderno latinoamericano. En su versión de 2002 (25ª) tuvo 670 mil visitantes. Su entrada es gratuita desde 2004 (26ª).

Fue patrocinada y organiza en sus inicios por el Museo de Arte Moderno de Sao Paulo, hasta 1962 cuando se crea y encarga de ello la Fundación Bienal de São Paulo. Su financiamiento proviene de subvenciones del municipio, el gobierno local y estatal y del sector privado.

El 2º Festival Internacional de Arte Digital Rosario 2006 ‘Muestra 01’ es el evento más importante destinado a la difusión del Arte Digital en Argentina, organizado por la Productora Independiente Rattlesnake, quienes trabajan desde hace 6 años en el ámbito del video y fotografía digitales, web desing, net art.

Este Festival se realiza desde el año 2003 para generar un espacio de intercambio entre estudiosos y profesionales del arte, diseño, cine, video, fotografía, producción multimedia y artistas en general que se desarrollen en el ámbito de lo Experimental dentro del Arte Contemporáneo, además de difundir la obra de artistas independientes que trabajen con la digitalización de imágenes a través de diferentes medios.

Celebrando en el año 2013 su XX edición, el Festival A Tempo continúa siendo un evento de gran repercusión internacional dedicado a difundir, desde 1993, las más importantes partituras del repertorio contemporáneo en conjugación con la música de todos los tiempos, abriendo un espacio para la confrontación del pensamiento, la creación y la interpretación.

El Festival Atempo realizó su XVIII edición el pasado mes de julio de 2011, con un público de más de 4.000 asistentes durante los tres días de su programación. A lo largo de su historia ininterrumpida de casi dos décadas el Festival Atempo ha sido escenario privilegiado de 666 obras musicales de 320 compositores diferentes, 102 estrenos mundiales de obras escritas especialmente para el Festival, 262 estrenos para Venezuela y 42 encargos, incluyendo dos obras colectivas en 191 conciertos.

También ha sido espacio para 31 talleres de composición, danza, narrativa, poesia, pintura y cine; 47 clases magistrales; 32 conferencias; una ópera de cámara; cuatro espectáculos de danza; 15 recitales de poesía; nueve intervenciones plásticas; una de diseño, siete libros editados, una exposición de fotográfía y un álbum musical conmemorativo de los quince años del Festival.

Con diversas ediciones celebradas en las ciudades de Caracas, París y Berlín, el año 2011 se amplió el circuito A Tempo hacia Ecuador, en donde se establece una sede bajo la representación de la Fundación Teatro Bolívar. Entre el 3 y 5 de Agosto 2011 se realizaron diversas actividades “La Nuit d’Atempo” en la Casa de la Música de Quito y en la Bienal Internacional de Cuenca.

Según una periodista:

“Si hay algo que siempre me ha gustado del Festival A Tempo es: la calidad de los interpretes y la calidad de los pasapalos y del vino al momento de la celebración.

Tuve la oportunidad en 2009 de participar en el Festival A Tempo con una obra para Corno Inglés solo que interpretó el excelente oboista Ricardo Riveiro. Lo único desagradable en aquel momento fue que nunca hubo un acercamiento entre los organizadores conmigo, sin embargo, también hay que recordar que cuando se está en plena producción de un festival como este, tiempo es lo que menos sobra.

El Festival A Tempo es una institución. Es a mi juicio, uno de los festivales más sólidos y de gran calidad que se hacen en Venezuela. Los contactos entre patrocinantes, organizadores e interpretes nos han permitido disfrutar de un evento de alto contenido estético. Además, los organizadores han abierto espacios para cine-foro, conferencias, muestras plásticas, performance en ediciones anteriores. Es uno de los pocos festivales de música donde se busca conectar las diferentes disciplinas de las artes entre sí.

Este año me ha tocado muchas actividades al mismo tiempo, espero poder escapar de alguna de ellas y de disfrutar de un evento tan exquisito como este. Porque si hay una palabra que define este festival es exquisitez”.

Su música también ha sido interpretada en, el Festival de Villafranca del Bierzo en España, Cello 2005 en Bélgica, Fagot IV Simposio Internacional de 2005 en Francia.
En 2008, es invitado a la Segunda Reunión de la Asociación Iberoamericana de Cooperación Musical (Madrid). Más tarde, participa en el Festival IMEB Synthese 2009 en Bourges (Francia), y en el MISO Musica Viva 2009 en Lisboa (Portugal). Y más recientemente, en el Flamingo International New Music Festival de Miami (EE.UU.).

El compositor actualmente reside entre Madrid, España y Caracas, Venezuela. Además de componer, asiste a actuaciones regulares de sus obras, y actúa como coordinador de la sección de electroacústica del festival flamenco, escribe la música para la danza, el cine, el teatro y el video arte.

NUANCES para saxo (2011)


Descarga video de “Nuances” (2011). Agapito Galán

Descarga audio en mp3 de “Nuances” (2011). Agapito Galán

Con respecto a su obra “Nuances”,  el propio compositor nos remarcó lo que quería hacer llegar al público con su obra, y es el juego de silencios y sonidos que se escuchan a lo largo de toda la obra, pudiendo parecer un poco “ad libitum” pero nada más lejos de la realidad.

Según sus palabras, a la pregunta de esa “sensación” de AD LIBITUM, respondió:

“Creo que tal vez percibisteis de esa manera la flexibilidad del tiempo expandido y contenido que procuro poner en juego, para producir una sensación de represión o de libertad expresiva, que parece desarrollarse de manera  espontánea e “improvisada”, y más o menos aleatoria, pero que en realidad obedece a una consideración formal con razones muy premeditadas e indicaciones muy específicas incluidas en la partitura.”

El compositor juega con los silencios, alargándolos de tal forma que parezca que está improvisando, o haciendo algo fuera de lo normal en la interpretación, cuando en realidad todo lo que hace se encuentra plasmado en la partitura, y de ahí esa sensación de inquietud, suspense, frialdad….

Galán lo ha conseguido gracias a la búsqueda de diferentes herramientas o enfoques compositivos hasta conseguir un producto cercano a esa intención.

Más bien se trata de una organización de sonidos y silencios a través  de  las consideraciones dinámicas y el manejo de las agogías.

El compositor Agapito Galán pudo estrenar su obra de la mano de uno de los mejores interpretes que pudo conseguir para esta ocasión Josetxu Silguero.

Josetxo Silguero Gorriti es, ante todo, un artista comprometido con la creación musical contemporánea, presentando en sus propuestas sonoras la interrelación de sus saxofones con la electrónica, la espacialización del sonido y la videocreación.

Poseedor de una técnica y sonoridad exquisitas, dejó a su saxofón hablar con libertad dentro del mundo armónico orquestal.

Intérprete de amplia experiencia y curiosidad musical (sinfónica, de cámara, solista, ópera, electrónica, jazz, músicas improvisadas), sus giras y conciertos son apoyados, desde 1998, por el Departamento de Cultura del Gobierno Vasco. Es Solista de saxofón de la Orquesta Sinfónica de Euskadi, participando en sus numerosas giras internacionales, grabaciones discográficas y programas de abono.

Apasionado por las formaciones de música de cámara, crea en 1998 el Ensemble Oiasso Novis, junto al acordeonista Iñaki Alberdi, realizando una intensa actividad de conciertos, giras y estrenos hasta su disolución en 2004. Como solista también es reclamado por diferentes ensembles tales como Aksax, Proyecto Guerrero, Espacio Sinkro y Krater.

Desde 2007 es co-fundador del SIGMA Project, formación de referencia que se caracteriza por la reflexión, estudio e investigación del sonido en torno a la formación de cuarteto de saxofones.

Ha presentado estrenos y proyectos sonoros en Alemania, Francia, Eslovenia, Inglaterra, Italia, Suiza, Canadá, Argentina, Chile,Perú, Tailandia, así como en los más importantes festivales y ciclos nacionales (Ciberart, Festival Enclaves Experimenta 21 Torrelavega, Festival Internacional de Música Contemporánea-Alicante, CDMC-Museo Reina Sofía, Festival Encontres-Palma de Mallorca, CGAC-Xornadas de Música Contemporánea, CAB-Burgos, Festival Internacional ENSEMS-Valencia, Museo Vostell Malpartida-Cáceres, Festival Internacional de Música Electroacústica Punto de Encuentro -Madrid, Conciertos del Taller-Gijón, Festival de Música Contemporánea-Segovia, Festival COMA-Madrid, Festival BBK de Músicas Actuales-Bilbao, Quincena Musical-San Sebastián, Semana de Música Contemporánea-Zaragoza, Gabinete de Música Electroacústica-Cuenca, Universidad de Salamanca, Festival MUSIKASTE- Errenteria, Festival SINKRO-Vitoria, Club Diario Levante-Valencia, Semana de Música Contemporánea de Leioa, Matinées Orquesta Sinfónica de Euskadi, Ciclo Lunes Contemporáneos de Santander-Universidad Menéndez Pelayo, Festival Internacional Bernaola-Vitoria, Ciclo Internacional de Influencias Musicales-Barcelona, Aula de Música de la Universidad del País Vasco…).

 Comprometido con la música actual, ha estimulado la creación y realizado el estreno de las primeras obras escritas para saxofón por reconocidos compositores vascos, y a él dedicadas: Maite Aurrekoetxea, Myriam A. de Armiño, Jesús Mari Echeverría, Gabriel Erkoreka, Juan José Eslava, Hilario Extremiana, Alfonso G. De la Torre, Zuriñe Gerenabarrena, Guillermo Lauzurica, Ramon Lazkano, Sofía Martínez, Bingen Mendizábal, Ignacio Monterrubio, Koldo Pastor, Borja Ramos, Israel Ruiz de Infante, Joseba Torre, Enrique Vázquez, Josean Zabalo, Martín Zalba…

Ha estrenado también obras de compositores nacionales (David Alarcón, Sergio Blardony, Emiliano del Cerro, Sergio Gutiérrez, Juan Antonio Lleó, Alberto Posadas, José Antonio San Miguel, Carlos Satué, Miquel Vicens Sastre…), y presentado estrenos absolutos y primeras audiciones nacionales de François Rossé, Pascal Gaigne, Thierry Allá, Jöel Merah (Francia), Alvin Lucier, Etienne Rolin y Mark Engebretson (USA), José Loyola (Cuba), Jorge Antunes (Brasil), Jorge Sad, Mª Eugenia Luc y Juan María Solare (Argentina)…

En marzo de 2005, nuevamente junto a los Solistas Proyecto Guerrero realiza la primera audición en España de Ever Present de Alvin Lucier, en el Auditorio Nacional de Música de Madrid.

En septiembre de 2007 realiza el estreno mundial de Laberinto de la noche, de Carlos Satué, concierto para saxofones (soprano/alto/tenor/barítono), gran ensemble y dispositivo electroacpustico max/msp, con el Ensemble Grupo Enigma de Zaragoza, bajo la batuta de Juan José Olives, en el Teatro Arniches de Alicante, durante el XXIII Festival Internacional de Música de Alicante.

En enero de 2008 es invitado por la Orquesta Sinfónica de Euskadi, bajo la dirección de Juan José Ocón, para interpretar, por primera vez en la península, la Rapsodia para Orquesta y Saxofón de Claude Debussy.

En agosto de 2009 dirige en el Teatro Victoria Eugenia de San Sebastián la jornada-homenaje (exposición-mesa redonda-concierto) dedicada a Mikel Laboa, ‘LABOAREN MUNDUAK’, encargo de la 70 Quincena Musical de San Sebastián.

De su especial dedicación a la música electroacústica ha surgido el estreno de más de 40 obras, en las que el saxofón interactúa con los nuevos medios informáticos (MAX/MSP), sistemas informáticos de espacialización sonora y proyecciones de videocreación.

Comentario analítico de “Nuances”

Adentrándonos en el análisis de la partitura, se trata de una obra para Saxo tenor y Saxo soprano, compuesta en 2011 y que se interpretó en el Festival “A Tempo “ en Caracas 2011.

El carácter es Calmado y deciso. Negra = 76-82.

La obra consta de 3 movimientos:

El primer movimiento. Introducción

Comienza en un 2×2, en clave de Fa en 4º comenzando en la nota “fa” con una bordadura. Desde este mismo instante, la obra “Nuances” despliega todo su esplendor y camina por todas las dinámicas (mf….. f, pp……. fff), desde los fortes más estruendosos a los pianos menos percibibles para el oído. Utiliza indicaciones durante todo el movimiento, como lo hará igualmente en los demás movimientos, cambiando totalmente el carácter de la obra:  ocultándose, misurato, tenso, con brio….

El segundo movimiento. Calmo y deciso

El tempo sigue siendo el mismo,y comienza con un “la” que pasa de no vibrato a vibrato, creando desde el primer sonido un ambiente de suspense.

Al igual que en la Introducción cambiara el carácter. Ahonda en todos los registros posibles del instrumento, y mantiene esa sensación de inquietud.

El tercer movimiento

Aunque intenta seguir creando esa atmosfera, la cambia ya que esta vez el carácter es más animado y el tempo es un poco más rápido que los otros dos movimientos.

El tercer movimiento se caracteriza por un climax, en el compás 45, y 46, donde alcanzará las ffff intentando imitar el sonido de la trompeta, con un leve glisando.

La obra finaliza con un mp…..ppp disminuyendo el sonido a través de 5 corcheas y una negra ligadas.

El compositor Agapito Galán nos recordó que debemos tener siempre cautela con el uso de algunos términos que encierran una definición muy clara (o muy ambigua) más aún si no están presentes en la partitura.

Si un compositor pone, o no pone algo debe ser por alguna razón. Así como las palabras y los signos que aparecen en una partitura (fuera del pentagrama) pueden darnos una perspectiva muy interesante para el análisis global de la misma.

Descarga partitura (sonido real), en pdf de “Nuances” (2011). Agapito Galán.

Partitura en sonidos reales. Sin transporte para saxo.

 Descarga partitura (transporte saxo), en pdf de “Nuances” (2011). Agapito Galán
Partitura con transporte para saxo.

 

CAMINA COMO LA NOCHE para oboe (2013)

Esta obra, que el mismo compositor me recomendó hacer un análisis también, ya que las características son muy parecidas a las de la pieza anterior,  se trata de una pieza para oboe, con el mismo carácter que NUANCES donde vuelve a utilizar todas las dinámicas posibles.

El autor “saca todo el jugo” a los instrumentos con los que trabaja, según afirma él mismo.

Descarga partitura en pdf de “Camina como la noche”. Agapito Galán

 

OTRAS OBRAS a destacar del compositor

-       Celebration para violin y marimba. 3:10 min.

-       Devenir. 5:00 min.

-       Preludio para arpa. 1:46 min.

-       Secret mirror para oboe, clarinete y fagot. 4:03 min.

-       Disposition III para piano y chelo. 3:10 min.

-       Anulos I.  5:13 min.

El compositor para escribir todas estas piezas, analizarlas y captar la esencia y los detalles de las mismas, tiene una especie de idea o esquema determinado de donde se extrae el resultado final.

  • Obras solistas de pequeñas y medianas dimensiones.
  • Enfoques estructurales, proporciones y procesos pre-compositivos.
  • Recopilación de anotaciones generales referentes a plan estructural, geometría constructiva.

“En mis trabajos realizados para instrumentos solistas he venido utilizado diferentes enfoques, en  el caso del conjunto de miniaturas tituladas “Minutes” (Obras solistas para Piano, Guitarra, Flauta, Violín, Violonchelo, Contrabajo, Oboe, Clarinete, Fagot,) donde la concentración del material atonal y serial es mucho más rigurosa e integral, estas se diferencian de otras de mis obras para instrumentos solistas (con proporciones un poco mayores) como: “Cinco espejos que se desplazan” (para Clarinete y Clarinete Bajo), “Nuances” (para Saxo Tenor y Saxo Soprano) y “Camina como la noche” (para Oboe), donde la elaboración es mucho más libre y de alguna manera más “melódica”.

No obstante todas estas obras mencionadas están relacionadas entre sí, y está presente en su carácter melódico la influencia del Jazz y del Rock, así como reminiscencias del llamado “Pasaje” (Denominación genérica de una característica forma lírica, que es parte del patrimonio musical de “Ida y vuelta” España-América), común en algunas partes de Hispanoamérica.

Comparten también su disposición en un plan estructural como sistema de distribución de proporciones, con el cual organizo previamente los diferentes aspectos de algunas de mis obras en los planos temporales y sonoros.

Tomando en cuenta los alcances de registro disponible, la duración del sonido y la consideración del silencio como continuidad estructural y secuencial en el sentido melódico-rítmico (no solamente como interrupción del sonido).

Estableciendo así una referencia grafica/visual para la distribución de los silencios y los sonidos. Con una configuración que podría ser análoga a la de los bocetos previos para una pintura (dibujos en blanco y negro) o a una estructuración en negativopositivo.

Ejemplos referenciales de modelos y patrones para desarrollar un plan estructural y generación de ritmos

Ejemplos referenciales. Planos (Relaciones áureas y simétricas)

Este plan estructural a través de referencias y operaciones geométricas trasladadas al trabajo compositivo, permite establecer previamente sectores áureos relacionados dentro del rango de registro contemplado a utilizar, en la duración aproximada estimada previamente para la obra, y en el proceso rítmico o métrico de la misma.

Aunque no establece puntos estrictamente exactos para los sucesos del discurso, expone algunos limites internos y establece los sectores temporales aproximados, donde deben suceder determinados eventos importantes y previstos como plan estructural de la obra (dispuestos según la Proporción Áurea para no someterse a una formula simétrica.

Estas relaciones y “sectores áureos” son entonces relativamente flexibles, o deliberadamente mensurados puesto que se ajustan y se sitúan formalmente en la agogía propia de la ejecución y en las características propias del instrumento.

 Ejemplos referenciales. Planos (Geometría, proporciones, agogía y flexibilidad)

De tal manera puedo planificar, abordar y ajustar con antelación el carácter general de la obra según mis propósitos y el material sonoro previsible para utilizar en la misma. Puedo calcular el balance de otros aspectos como el desarrollo rítmico-métrico, alcances y recorridos del registro, ventajas o características tímbricas y el uso de las técnicas propias del instrumento.

Este proceso programático no obedece a un simple afán estructuralista, y aunque busca establecer relaciones objetivas y coherentes entre los diferentes elementos de la composición, tiene más bien una fuerte relación con contenidos lúdicos y procedimientos heredados de mi formación y trabajo dentro de las artes visuales. Estudiando así y explorando metódicamente en la práctica algunas posibilidades de los miembros de cada familia instrumental.

La generación de materiales a partir de procesos (o prototipos) previos y el desarrollo consecuente de diversos modelos de sistemas estructurales donde diversas células de material sonoro se desarrollan, se agrupan, se dispersan, evolucionan, se transforman, o se reflejan en diferentes momentos de una misma obra (“Cinco espejos que se desplazan”) reflejándose también en diferentes obras, creando una conexión entre ellas y una relación orgánica y de coherencia con la generalidad de mi trabajo.

La planificación previa resulta útil de igual manera para la consideración de ciertas particularidades perceptivas con respecto al hecho sonoro en la fase de pre-composición, tomando en cuenta determinadas relaciones de elementos, también como analogía de la relación visual Fondo-Figura o influyendo en la definición final de ritmos internos o duraciones.

Consideradas inicialmente en referencia a segundos (y luego en pulsos) para definir una estructura eventual aproximada en términos de una duración estimada, que es referencial con respecto a las velocidades metronómicas en algunos casos indicadas (las cuales pueden estar sugeridas dentro de un rango o pueden estar ausentes según las necesidades del discurso), obedeciendo algunas veces a contracciones, expansiones y acentos estructurales incluidos dentro de la duración total, pero siempre funcionando de acuerdo a las relaciones áureas.

En algunos casos estas consideraciones previas están fuertemente relacionadas con aspectos muy específicos como la distribución de los matices, las articulaciones y los reguladores dinámicos, tal como sucede en el caso de “Nuances”, donde estos aspectos son un poco más notables y forman parte importante de lo que sugiere su titulo.

Tomando en cuenta que en los diversos rangos de registro, el timbre y la sonoridad de los instrumentos varía dependiendo de muy diferentes aspectos (como la velocidad, la presión, etc.) o dependiendo de factores que condicionan su ejecución, (su sonoridad según sus características propias) y en algunos instrumentos como sucede en el clarinete en sí bemol, que por su amplitud de registro, podemos distinguir, o tener la sensación de la “presencia” de tres instrumentos en “uno solo”.

Estas variaciones en el sentido tímbrico o dinámico pueden ser utilizadas para establecer y reforzar el carácter en determinados momentos del devenir eventual de la obra. Así mismo la configuración formal, la mutación, el cambio e inclusión dentro de la misma forma (estructura) de otros instrumentos (de una misma familia), representa entonces una manera de ampliar y recorrer el registro de una “voz” o de un determinado timbre o familia instrumental.

Abarcando así los diferentes rangos bajos, medios y agudos posibles al utilizarlos juntos en un mismo discurso musical. Considerados de tal forma como si fueran todos uno solo y no varios instrumentos, tal como sucede en “Cinco espejos que se desplazan” (Clarinete y Clarinete Bajo) y en “Nuances” (Saxo tenor y Saxo Soprano).

Ejemplos referenciales de planificación de matices y de forma triangular

En el caso de estas obras de medianas dimensiones discurriendo en un recorrido casi total del registro de cada instrumento y con una división estructural en partes formalmente especificas y coherentes que conforman una totalidad, pero que funcionarán inclusive aisladas como formas independientes.

Alternándose en el uso y los alcances del registro sin convertirse necesariamente en un amplio triangulo o un extenso arco melódico, o en una “súper-melodía” como define Berio a sus “Sequenzas”. Las elaboraciones previas y esquemáticas persiguen un desarrollo eficaz en la afirmación formal de la pieza, como composición y en si misma como dimensión creada, funcionando como estructuras portantes y evitando convertirse simplemente en un adornado “catálogo” de objetos o efectos sonoros para un determinado instrumento.

Una vez organizada la proyección de la obra en el trabajo previo, estas relaciones serán depuradas en el proceso posterior o de “composición” más propiamente dicho, donde las consideraciones técnicas, las intenciones musicales y la posición o la propuesta “estética personal” pasan a jugar un papel importante para completar y potenciar la poética implícita de la obra.

Intentando en estos pequeños trabajos para instrumentos solistas expresarse (como tales obras / estructuras), mostrándose como dibujos o pinturas de sonido sobre un lienzo de tiempo y procurando revelar su devenir en silencio, en clara calma o enérgicamente. Con sensaciones y relaciones perceptibles, sin ornamentos innecesarios y en una orgánica simplicidad pero siempre llena de contenidos que son transmitidos a través de la partitura por el intérprete al oyente, ese tercer interlocutor más complejo. Así el ejecutante en este dialogo con la partitura/espejo, va más allá del virtuosismo técnico y actuando entonces con virtuosismo intelectual.

Descarga material anexo en pdf de “Miniaturas y medianas dimensiones”. Agapito Galán

 

CONCLUSIÓN y VALORACIÓN PERSONAL

Lo primero que tenemos que decir es que, no tenemos nada más  que palabras de agradecimiento hacia Agapito Galán, por abrirnos las “puertas de su casa” , y darnos toda la información posible sobre sus composiciones, su música, alguna anécdota con sus colaboradores, y saber que cosas como estas que ayudan un poco más a la investigación y dar a conocer nuestros compositores, le alegran bastante.

Lo segundo, comentar que gracias a trabajos como estos te das cuenta que hay música más allá de Wagner, Bach, y compositores conocidos, cuando no te das cuenta que mucha música y muy buena, se está echando a perder porque la gente la desconoce, sea por la razón que sea.

Referiéndonos a la música de Agapito, comentar que aunque es algo innovador, su música nos transmite a través de todos los matices, dinámicas y elementos constructivos en la partitura, diferentes sentimientos que yo creo que el desea que lleguen al público. Como esa sensación de la que hablaba antes de ese juego de silencios y sonidos con el que él tuvo bastantes conversaciones con el interprete de NUANCES sobre estos tópicos, y es eso lo que le da ánimos, saber que a la gente le llega ese juego de sonidos y hacerles dudar, haciéndoles creer algo que no es.

Y por último, decir que el saber no ocupa lugar, ya que gracias a este tipo de compositores se te pueden abrir muchas puertas en el mundo de la composición , no siempre los esquemas clásicos , sino que puedes innovar algo que, quién sabe, lo puedes llamar “TU MUSICA”.

 

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